blanca paloma

Blanca paloma
Cruce. Madrid. Noviembre 2024

Una intenvención con tiza blanca sobre todas las paredes de Cruce. Un proyecto que se inscribe dentro de la exposición Disciplinas e interonexiones en. 30 años de Cruce comisariada por Mario Gutiérrez Cru.

En 2014, con “Todos mis amigos me parecn guapos”, realizamos un registro a escala 1/1 del suelo de su sede de la calle Doctor Fourquet 5.. Transferimos con barra litográfica sobre 132 papeles de poliester todas las huellas de dicho espacio. el resultado fue presentado en ese mi mismo suelo apilando todas las hojas, una sobre otra, en una peana de metacrilato transparente.

Ahora en 2024, diez años después, volvemos a intervenirlo, en esta ocasión frotando tiza blanca sobre todas sus paredes, completando de alguna forma el trabajo anterior. 

El resultado es un dibujo imperceptible a simple vista, del que solo sus restos son visibles. Ese polvo, el negativo del dibujo, acotado durante la acción y depositado en el suelo redibuja con una fina línea todo el perímetro del espacio, delimitando así toda su arquitectura.

White Dove
Cruce. Madrid. November 2024

A Site Specific, an intervention with white chalk on all the walls of Cruce. A project that is part of the exhibition Disciplines and Interconections on ·30 years of Cruce curated by Mario Gutiérrez Cru.

In 2014, with the project “Todos mis amigos me parecn guapos”, we made a 1/1 scale record of the floor of its headquarters at 5 Doctor Fourquet street. We transferred with lithographic bar on 132 polyester papers all the traces of that space. the result was presented on that same floor stacking all the sheets, one on top of the other, on a transparent methacrylate stand.

Now in 2024, ten years later, we intervene again, this time rubbing white chalk on all its walls, completing somehow the previous work.

The result is a drawing imperceptible to the naked eye, of which only the remains are visible. That dust, the negative of the drawing, delimited during the action and deposited on the floor, redraws with a thin line all the perimeter of the space, thus delimiting all its architecture.

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La tarde de la inauguración del proyecto los asistentes al evento, de una forma poética cómica y sin pretenderlo, activaron y llevaron consigo parte del dibujo, Impregnados con el polvo de las paredes. Una bella metáfora de como a veces, sin que nos demos cuenta, el arte se queda pegado a nosotros.

Muchas blancas palomas revoloteando, y una negra

On the afternoon of the inauguration of the project, those attending the event, in a poetic and comical way and without intending to do so, activated and took with them part of the drawing, impregnated with the dust from the walls. A beautiful metaphor of how sometimes, without realizing it, art sticks to us.
 

Many white pigeons fluttering, and a black one

Una interacción que también dejó un huella visible, desdibujando parte de esa fina línea de tiza que reccoría todo el perímetro de la primera y la segunda planta del espacio

The interaction also left a visible trace, blurring part of the thin chalk line that covered the entire perimeter of the first and second floors of the space.

Una vez clausurada la exposición barrimos las paredes y el suelo, y  recogimos todo el polvo de tiza en un bote.

Lavamos las paredes y el blanco volvió a ser blanco de nuevo

Once the exhibition was closed, we swept the walls and the floor, and collected all the dust in a container.

We washed the walls and white turned into white again.

Con las mismas tizas utilizadas en la intervención construimos una mini cruce, una meta maqueta, para guardar el polvo, los restos, el negativo del dibujo.

With the same chalks used in the intervention, we built a mini cross, a meta model, to store the dust, the remnants, the negative of the drawing.

Muchas gracias a Paloma Frojan y Raúl Gonzalez por sus Froti Frotis, y a Cruce, Mario y Rebeca por la coordinación del proyecto ))

Really thanks to Paloma Frojan y Raúl González for their Froti Frotis, and Cruce, Mario y Rebeca for the coordination of the project ))

la asamblea migrante

La asamblea migrante
Proyecto comisariado en colaboración con el colectivo Bobricova de Carmen y la comisaria Alejandra Gatti. La Línea, Cádiz, otono 2024

The migrant assambly
Project curated in collaboration with the collective Bobrikova de Carmen and the curato Alejandra Gatty

El dúo de artistas Martinka Bobrikova y Oscar de Carmen, Bobrikova de Carmen (+info) colaboran desde 2005. Su práctica, a menudo basada en la comunidad, tiene como objetivo crear nuevos ecosistemas sociales, poniendo el foco y haciendo girar los mecanismos por los que el poder crea sistemas de valor. Sus propuestas se sitúan en la frontera entre el arte y la vida contemporáneos, cuestionando ambos contextos con propuestas que se sitúan entre lo transitorio y lo utópico.

Junto con la comisaria Alejandra Gatti (+info) desarrollaron en 2021 el proyecto The Migrant Asambly en Oslo, asamble que viajo en 2023 a la Bienal de Moss también en Noruega. El objetivo de este nuevo proyecto en colaboración con la Galería Municipal Manolo Alés y Juan Carlos Bracho es trasladar de nuevo esa experiencia, contextualizándola en del Campo de Gibraltar, y más concretamente en La Línea y la barriada de los Junquillos.

“La asamblea migrante” profundiza en las líneas de actuación que a lo largo del tiempo han perfilado el trabajo de Martina, Óscar y Alejandra, enlazando conceptualmente y a nivel práctico y de ejecución con los proyectos que desde 2022 Juan Carlos está desarrollando en estrecha colaboración con la Galería Municipal Manolo Alés, Macarena Alés y artistas, asociaciones, colectivos y agrupaciones de La Línea y el Campo de Gibraltar

Se trata en todos los trabajos que preceden a esta tercera asamblea de prácticas colaborativas y participativas de trabajo comunitario, desarrollo de economías alternativas a través de una optimización de los recursos materiales y emocionales más eficiente con el reciclaje y la reutilización como premisa. Todo ello en encuentros donde lo artístico, lo lúdico y lo didáctico se convierten en un momento y en una oportunidad para el aprendizaje personal y grupal, pues el arte es también un juego.

El objetivo de esta nueva experiencia es seguir reforzando las relaciones solidarias y participativas que juntos ya hemos creado y generar nuevos vínculos entre las diferentes barriadas de La Línea, así como con otros agentes culturales que son invitados a reflexionar, con una mirada crítica, pero también más positiva y desprejuicida, sobre un nuevo contexto que les es ajeno, pero también familiar, pues las problemáticas sociales y personales son particulares pero también universales.

La esencia de la Asamblea Migrante es el movimiento. Un movimiento que responde a tiempos más pausados e introxpectivos, a procesos de gestación comunitaria, y también a una forma de entender que estar en movimiento significa generar energía, y que moverse con otros es ampliar el impulso, dotarlo de nuevos y diferentes matices.

En este tercer ejercicio la asamblea migrará del norte al sur para instalarse en un lugar donde la palabra migrante adquiere nuevos significados, con todo el valor simbólico que esta migración circular supone, pues normalmente el movimiento es en sentido contrario. También la Galería se mueve, del centro de la ciudad a una de las barriadas más populares y conflictivas de La Línea, con el objetivo de reforzar los lazos y el trabajo que Macarena y Juan Carlos llevan desarrollando intensamente con las gentes de ese barrio tanto en el proyecto Una Idea de Paisaje como en Un Nuevo y Viejo San Juan.

Trasladar la actividad a los Junquillos es poner en valor y darles voz activa en su contexto a las personas, colectivos, asociaciones y entidades que ya operan y trabajan en el área. También es motivarlos a pensar y repensar sus dinámicas y relaciones, cómo se les percibe, así como motivar al resto de los linenses interesados en participar a visitar y conocer viviéndola una zona tradicionalmente olvidada, marginada y estigmatizada, para mejorar entre todos y crear comunidad.

La Asamblea Migrante III se llevaría a cabo entre los días 6, 7, 8 y 9 de diciembre, coincidiendo con el puente de la Constitución y con la fiesta de la patrona de La Línea, la Inmaculada Concepción. Durante esos cuatro días se implicará activamente en el montaje, desarrollo y desmontaje de la asamblea -haciéndoles partícipes de todo el proceso- no solo a las asociaciones y las gentes de la barriada de los Junquillos, sino al resto de barriadas linenses, y a la entidad o entidades que las coordinan,

El espacio o los espacios de la asamblea, así como el programa de actividades, se diseñará durante los meses de septiembre, octubre y noviembre, siempre en estrecha colaboración con la barriada, la Galería Municipal, el Ayuntamiento de La Línea y el equipo artístico.

un viejo y nuevo san juan 2

arribaconella3
Sin título-1

Arriba con ella
Proyecto comisariado en colaboración con el artista Manuel Antonio Domínguez. La Línea, Cádiz, primavera de 2025

Si en «Una Idea de Paisaje» rediseñamos la bandera de La Línea y la convertimos en el estandarte y en «Un Viejo Y Nuevo Sam Juan» realizamos una versión fluida del escudo de Andalucía, en 2025 será la bandera de España el paraguas que acogerá a todas las Españas posibles, imaginables y deseables. La idea de territorio, mapa, tierra, suelo, superficie, propiedad, como espacio de encuentro y tambíen de conflicto especialmente en el contexto del Campo de Gibraltar, también serán puestas en cuestión desde una perspectiva inclusiva y expansiva, un lugar abstracto y concreto donde cabemos todos.

Con el artista y el trabajo de Manuel Antonio Dominguez como invitado la Galería se convertirá de nuevo en un espacio de encuentro e intercambio para toda aquel se quiera acercar, compartir y colaborar.

Manuel trabajará especifcamente dos nuevas producciones con la Asociación de Crocheteras y de Bolilleras linenses, y con Mixtura, proyecto del que es fundador, en colaboración con el Jesus Bar.

De nuevo el proyecto contará con un programa didáctico y educativo para los alumnos de primaria y secundaria y las asociaciones con la que hemos trabajado anteriormente. Con el material elaborado en esos talleres, y también de nuevo con el trabajo de Juan Carlos con el C.P. Carlos V, al que sumara el C.P. Santiago, se construirá una suerte de Peñón Invertido que desde la galería ocupará parte de la Plaza Fariñas.

Esta escenografía acogerá durante la última semana de junio, recogiendo el testigo de la Noche de San Juan, una programación con presentaciones, fiestas, talleres y encuentros con diferentes artistas y colectivos locales, nacionales y extranjeros. Para esta programación estamos trabajando con Lola Zoido, Putochinomaricón, el Festival Rizoma, BobrikovadeCarmen y Alejandra Gatti, Elías González, la asociación Weirdo, Vecinos de La Línea y Alcutura entre otros.

El proyecto se clausurará con las celebraciones del Orgullo Gay con la ayuda y la colaboración de la asociación Lo Sé y me Importa


Up with Her
Project curated in collaboration with the artist Manuel Antonio Domínguez. La Línea, Cadiz, Spring 2025

If in «An Idea of Landscape» we redesigned the flag of La Línea and turned it into the banner and in «An Old an New San Juan» we made a fluid version of the coat of arms of Andalusia, in 2025 the flag of Spain will be the umbrella that will embrace all possible, imaginable and desirable Spains. The idea of territory, map, land, soil, surface, property, as a space of encounter and also of conflict, especially in the context of Campo de Gibraltar, will also be questioned from an inclusive and expansive perspective, an abstract and concrete place where we all fit.

With the artist and the work of Manuel Antonio Dominguez as a guest, the Gallery will become again a meeting and exchange space for anyone who wants to approach, share and collaborate.

Manuel will work specifically on two new productions with the Asociación de Crocheteras y de Bolilleras linenses, and with Mixtura, a project of which he is the founder, in collaboration with the Jesus Bar.

Again the project will have a didactic and educational program for primary and secondary school students and associations with which we have worked previously. With the material produced in these workshops, and also again with the work of Juan Carlos with the C.P. Carlos V, which added the C.P. Santiago, will be built a sort of Inverted Rock that from the gallery will occupy part of the Plaza Fariñas.

This scenography will host during the last week of June, picking up the baton of the Night of San Juan, a program of activities that will take place during the last week of June.

The project will close with the Gay Pride celebrations with the help and the collaboration of the association Lo Sé y me Importa.

relajate y coopera

La revolución se quema sola / Relájate y coopera
La Línea, Cádiz, primavera de 2025

Este proyecto en colaboración con el artista cubado Dagoberto Rodríguez y el I.E.S Virgen de la Esperanza de La Línea es un intercambio de saberes y experiencias entre un artista plástico, los alumnos y profesores del centro de formación que materializarán la obra, y el tejido empresarial de La Línea, que dotará el material necesario para su realización.

Dividido en dos fases la primera de ellas, una performance, se llevará a cabo durante las celebraciones del 50 aniversario de la Casa de la Cultura. En dicha acción se procederá a la quema de la primera de las frases que da título al proyecto. Unas letras en llamás consumiéndose de las que se editará posteriormente una obra en video.

The revolution burns by itself / Relax and cooperate
La Línea, Cádiz, Spring 2025

This project in collaboration with the cubed artist Dagoberto Rodríguez and the I.E.S Virgen de la Esperanza de La Línea is an exchange of knowledge and experiences between a plastic artist, the students and teachers of the training center that will materialize the work, and the business fabric of La Línea, which will provide the necessary material for its realization.

Divided into two phases, the first one, a performance, will be carried out during the celebrations of the 50th anniversary of the Casa de la Cultura. In this action, the first of the phrases that gives title to the project will be burned. Some letters in flames burning from which a video work will be edited later.

Utilizando como base para LA REVOLUCIÓN SE QUEMA SOLA los colores, y para la estructura las bandas que dibujan la bandera de Cuba, ciudad natal de Dagoberto, la escultura metálica sobre la que escribe dicha frase con pales reciclados rojo y azules se inspira en la idea de muro deconstruido.

Dicha estructura, con la frase en metal RELAJATE Y COOPERA, será finalmente donada por Dagoberto a la ciudad de La Línea. Ubicada en el renovado Parque Reina Sofía frente a la frontera, interpelará no solo a los usuarios del parque, sino también a nuestros vecinos Gibraltareños.

Un muro a medio construir o destruir desestabiliza el mensaje, recuperado de los eslóganes de la revolución cubana. En el contexto geopolítico del Campo de Gibraltar cobran nuevos significados. Así la frase final “RELAJATE Y COOPERA” se vuelve ambigua, ambivalente. Debemos terminar de construir o destruir, dejar pasar, defendernos o atrincherarnos frente a las amenazas de cualquier tipo de ideología. Así la obra no solo habla de la situación que se vive en la frontera, sino en todas las fronteras, y dicha reflexión se vuelve especialmente relevante y necesaria en los trágicos y conflictivos momentos que vivimos.

Using as a base for THE REVOLUTION BRUNS BY ITSELF the colors, and for the structure the bands that draw the flag of Cuba, Dagoberto’s hometown, the metallic sculpture on which he writes the phrase with red and blue recycled pales is inspired by the idea of a deconstructed wall.

This structure, with the metal phrase RELAX AND COOPERATE, will finally be donated by Dagoberto to the city of La Línea. Located in the renovated Reina Sofia Park facing the border, it will appeal not only to the users of the park, but also to our Gibraltarian neighbours.

A half-built or half-destroyed wall destabilizes the message, recovered from the slogans of the Cuban revolution. In the geopolitical context of the Campo de Gibraltar they take on new meanings. Thus the final phrase “RELAX AND COOPERA” becomes ambiguous, ambivalent. We must finish building or destroying, let pass, defend or entrench ourselves against the threats of any kind of ideology. Thus the work not only speaks of the situation that is lived in the border, but in all borders, and such reflection becomes especially relevant and necessary in the tragic and conflictive times we live in

ejercicios de dibujo

Ejercicios de dibujo
Taller. 2021…
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Qué puede ser más sencillo que plasmar una idea con un lápiz y un papel, independientemente de su formalización posterior empleando cualquier otro medio plástico, científico o de otra naturaleza.¿Es el dibujo una técnica o una herramienta? 

Este taller dividido en cuatro ejercicios se plantea como una actividad teórico, práctica y lúdica a través de la que reflexionar sobre el acto de dibujar. Porque, ¿qué es dibujar?; ¿cuál es el significado de “dibujar bien” y “dibujar mal”?; ¿cómo podemos aprender a desdibujar?

Estas cuestiones, y las que surjieron en las todas las talleres ya realizados, fueorn las planteadas como punto de partida tomando como referencia mis propios proyectos a modo de ejemplo. Juntos nos dejaremos llevar, analizamos y experimentamos el poder y el significado de los elementos gráficos elementales de ese hacer -la línea, el punto, el trazo…- y como mi dibujo ha evolucionado hasta llegar a ser entendido como un instrumento, un mecanismo de pensamiento y acción al alcance de todos; unos proceso.

Ejercicios de dibujo en un proyecto abierto y en proceso que evoluciona en cada nuevo ejercicio. Cada actividad, que se piensa, se organiza y se desarrolla específicamente, suma nuevas experiencias y reflexiones que enriquecen finalmente la idea original de estos ejercicios.

Drawing exercices
Workshoop. 2021…
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What could be simpler than to capture an idea with a pencil and paper, regardless of its subsequent formalization using any other plastic, scientific or other means. Is drawing a technique or a tool?

This workshop, divided into four exercises, is proposed as a theoretical, practical and playful activity through which to reflect on the act of drawing. Because, what is drawing; what is the meaning of «drawing well» and «drawing badly»; how can we learn to blur?

These questions, and those that arose in all the workshops already held, were raised as a starting point, taking as an example my own projects as a reference. Together we will let ourselves go, analyze and experience the power and meaning of the elementary graphic elements of this work -the line, the dot, the stroke…- and how my drawing has evolved to be understood as an instrument, a mechanism of thought and action available to everyone; a process.

Drawing exercises in an open and ongoing project that evolves with each new exercise. Each activity, which is specifically thought, organized and developed, adds new experiences and reflections that ultimately enrich the original idea of these exercises.

La línea. Ejercicio nº1

El cuaderno de trabajo como taller portátil
Idea y proceso. Método, repetición, retroalimentación y aprendizaje
Dibujo: tiempo y espacio.
La experiencia de dibujar
El dibujo como un acto que se desborda

Trazar una línea con un lápiz y una regla

 

Exercice nº1

The sketchbook as a portable workshop
Idea and process. Method, repetition, feedback and learning
Drawing: time and space
The experience of drawing
Drawing as an overflowing act.

Drawing a line with a pencil and a ruler.

El punto. Ejercicio nº2

El azar y error como parte de toda experiencia vital y creativa
Movimiento circular. La circularidad de los procesos creativos. Narraciones paralelas
Qué es una imagen. Consolidación mental de las imágenes.
Estatus de la imagen

Dibujar un punto en un espacio

The point. Ejercicio nº2

Chance and error as part of every vital and creative experience
Circular movement. The circularity of creative processes
Parallel narratives.
What is an image?. Mental consolidation of images.
Status of the image

Drawing a point in a space

El trazo. Ejercicio nº3

La pared como espacio no neutro
El dibujo como revelación. El dibujo como escritura personal
Trazos de ida y vuelta
Mecanismos de no pensar

The stroke. Exercice nº3

The wall as a non-neutral space
Drawing as revelation. Drawing as personal writing
Back and forth strokes
Mechanisms of not thinking

El frottage. Ejercicio nº4

Dibujo despersonalizado
.La desaparición del gesto. Disolución del ego
El dibujo como herramienta cartográfica, como piel, como huella
El dibujo como apropiación. Del cuerpo a un espacio sin fin

El frottage. Exercice nº4

Depersonalized drawing
The disappearance of the gesture. Dissolution of the ego
Drawing as a cartographic tool, as a skin, as a trace.
Drawing as appropriation. From the body to an endless space

introspective

Introspective. Proyecto para una escultura visual y sonoro. 2018…

Introspective. Project for a visual and sound sculpture. 2018…

Si una imagen vale más que mil palabras, qué valor tendrá entonces una imagen que es patrón visual y espejo donde se miran y calibran las propias imágenes. Cuántos significados contendrá.

Instrospective es la grabación cenital en plano secuencia de una performance. Diálogo teatralizado, y ensayo visual, entre la voz propia, la cita y la apropiación alrededor de una tarta alegórica* que unos comensales fuera de plano se meriendan hasta hacerla desaparecer, fundiendo todo a negro, mientras toman té, escuchan otras voces y discuten acerca del status, el significado y la naturaleza de todas las imágenes.

* Imagen de una carta de ajuste

If a picture is worth a thousand words, then what value will an image have as a visual standard and a mirror in which the images themselves are looked at and calibrated? How many meanings it will contain.

Instrospective is the zenithal sequence shot of a performance. Theatricalised dialogue, and visual rehearsal, between self-voice, quotation and appropriation around an allegorical cake* that out-of-plane diners eat until it disappears, melting everything to black, while drinking tea, listening to other voices and discussing the status, meaning and nature of all images.

* Image of an adjustment chart

1. Por qué Introspective
Una imagen, un espejo y un paisaje son objetos íntimamente relacionados. Espacios bidimensionales, volumétricos o adimensionales que nos devuelven nuestra propia imagen física y emocional: el cuerpo, los recuerdos, experiencias y sensaciones almacenadas en nuestra memoria. Son, en definitiva, el bagaje personal y la más insondable conciencia que nos define; medida y reflejo no solo de lo que somos, sino también de lo que proyectamos.

El poder de las imágenes no surge de la nada, se revela, cobra cuerpo. Cada una de ellas es como un pozo sin fondo, una cadena de acontecimientos que se desborda inconscientemente. Cuando manipulamos un objeto, miramos una imagen o habitamos un espacio, nos proyectamos, sobre todo, para comprender donde nos situamos en relación con nuestro espacio físico y mental. Nos calibramos, reorganizamos nuestra memoria, nuestros pensamientos, nuestros recuerdos, en un acto reflejo, mecánico e inconsciente, cargado de subjetividad, preguntas y curiosidad, pero también prejuicios, y miedos.

Pero, ¿Somos realmente conscientes y críticos con la realidad que se nos muestra, y mostramos, o simplemente permanecemos hipnotizados ante esos reflejos especulares? ¿Cómo miramos y nos relacionamos con esas pantallas que son referente de nuestro imaginario visual? ¿Son superficies residuales, cuerpos inertes o con conciencia? ¿Condensan todo sobre lo que sobre ellas se emite o se proyecta?

Estas preguntas subyacen y han sido recurrentes en mis trabajos en video. Proyectos que en su conjunto reflexionan sobre el significado de las imágenes, su proceso de consolidación mental, y sobre la pantalla como receptora y emisora, contenedor y contenido.

Así, Introspective, a través de un ritual colectivo y de un relato no lineal plagado de figuras retóricas y voces invitadas, pone literalmente sobre la mesa las ambivalencias, contradicciones y juegos entre la palabra y la imagen, profundizando sin barreras estéticas, ideológicas ni dogmas, y desde la certeza, la hipótesis, la ironía y la paradoja sobre todas estas cuestiones, planteando al mismo tiempo nuevos interrogantes sobre el hecho de cómo nos relacionamos con las imágenes y las pantallas con respecto a qué y a quiénes.

1. Why Introspective
An image, a mirror and a landscape are closely related objects. Two-dimensional, volumetric or dimensionless spaces that give us back our own physical and emotional image: the body, the memories, experiences and sensations stored in our memory. They are, in short, the personal baggage and the most unfathomable consciousness that defines us; a measure and reflection not only of what we are, but also of what we project.

The power of images does not come out of nowhere, it reveals itself, it takes shape. Each one of them is like a bottomless pit, a chain of events that unconsciously overflows. When we handle an object, look at an image or inhabit a space, we project ourselves, above all, to understand where we are in relation to our physical and mental space. We calibrate ourselves, reorganise our memory, our thoughts, our memories, in a reflex, mechanical and unconscious act, loaded with subjectivity, questions and curiosity, but also prejudices and fears.

But are we really conscious and critical of the reality we are shown, and show, or do we simply remain hypnotised before these specular reflections? How do we look at and relate to these screens that are the referents of our visual imaginary? Are they residual surfaces, inert bodies or bodies with consciousness? Do they condense everything that is emitted or projected onto them?

These questions underlie and have been recurrent in my video works. Projects that as a whole reflect on the meaning of images, their process of mental consolidation, and on the screen as receiver and transmitter, container and content.

Thus, Introspective, through a collective ritual and a non-linear narrative full of rhetorical figures and invited voices, literally puts on the table the ambivalences, contradictions and games between word and image, delving without aesthetic, ideological or dogmatic barriers, and from certainty, hypothesis, irony and paradox on all these issues, while raising new questions about how we relate to images and screens with respect to what and to whom.

2. Instrospective forma y contenido
Introspective en su concepción formal y narrativa sigue la estela del resto de mis videoperformances. Se trata de un plano cenital, secuencia de una acción banal, repetitiva, lúdica y expansiva, protagonizada en esta ocasión por un número indeterminado de performers; asistentes e invitados a una merienda/fiesta colectiva que se celebra fuera de plano, en una elipsis sin fin.

Su puesta en escena, y la posterior formalización de la obra que replica el set de grabación , implica un manejo escenográfico en la suspensión del sujeto creador, pues el espectador durante su visionado ocupará el mismo espacio que los anónimos ejecutores de la acción. Y, al acercarse a la mesa, se proyectará físicamente sobré el negro de la pantalla, mientras que -mirando y observando hacia adentro, así mismo- se preguntará dónde se encuentra ante lo que sucede, lo que se cuenta y se relata

Su estructura narrativa sin clímax -pues el desarrollo de la acción monótona y repetitiva no deja lugar a dudas de su desenlace final, acabar con la tarta hasta fundir la imagen a negro- desplazará el peso narrativo de la acción al relato, del espacio representado hacia otros lugares dentro y fuera de plano. Al mismo tiempo lo que vemos serápura metáfora de cómo consumimos con la mirada, y la imagen que se consume una carta de ajuste; patrón visual de todas las imágenes. En resumen, un bucle, y un juego continuo de espejos visuales y narrativos que se proyectan sobre sí mismos.

Esa narración -ese relato sobre la historia, el significado y el poder de las imágenes- será ficcionado. Una suerte de ensayo narrativo, o metarrelato colectivo, creado y montado con el propio sonido directo de la acción, fragmentos de audio de otros materiales audivisuales, citas, reflexiones y apropiaciones que aportarán el propio artista y todos los invitados a la fiesta, incluido el equipo técnico.

El resultado final será un texto, una conversación que crecerá de forma orgánica, rizomática, expansiva, como un arbusto, y donde el azar, el encuentro inesperado, las narraciones paralelas, lo irónico, lo lúdico y lo reflexivo estarán en diálogo constante. Perspectivas y lecturas también presentes en la imagen y la acción registrada.

2. Instrospective form and content
Introspective in its formal and narrative conception follows in the wake of the rest of my videoperformances. It is a zenithal shot, a sequence of a banal, repetitive, playful and expansive action, starring on this occasion an indeterminate number of performers; attendees and guests at a collective snack/party that takes place out of shot, in an endless ellipsis.

Its staging, and the subsequent formalisation of the work that replicates the recording set (fig1/2), implies a scenographic handling in the suspension of the creative subject, as the spectator during its viewing will occupy the same space as the anonymous executors of the action. And, on approaching the table, he or she will be physically projected onto the black of the screen, while – looking and observing inwards, likewise – he or she will wonder where he or she is in the face of what is happening, what is being told and recounted.

Its narrative structure without climax – for the development of the monotonous and repetitive action leaves no room for doubt as to its final outcome, to finish off the cake until the image fades to black – will shift the narrative weight from the action to the story, from the space represented to other places in and out of shot. At the same time, what we see will be a metaphor for how we consume with our gaze, and the image that is consumed will be an adjustment chart; the visual pattern of all images. In short, a loop, and a continuous play of visual and narrative mirrors that are projected onto themselves.

That narrative – that account of the history, meaning and power of images – will be fictionalised. A sort of narrative essay, or collective meta-narrative, created and assembled with the direct sound of the action itself, audio fragments from other audiovisual materials, quotes, reflections and appropriations contributed by the artist himself and all the guests at the party, including the technical team.

The final result will be a text, a conversation that will grow organically, rhizomatically, expansively, like a bush, and where chance, unexpected encounters, parallel narratives, irony, playfulness and reflection will be in constant dialogue. Perspectives and readings also present in the image and the action recorded.

3. Introspective una imagen/tarta
A la hora de decidir qué imagen nos comeríamos, desde un principio tuve claro que no sería figurativa. Volví a mis cuadernos de trabajo, donde guardo, colecciono y acumulo una gran variedad de referencias, textos e imágenes, y en ese proceso me vino a la memoria la portada del álbum “Introspective” de Pet Shop Boys, disco del que este proyecto toma su título prestado. Se trataba de una imagen íntima, pero abstracta, construida con barras de colores verticales parecida a un arcoíris, de nuevo el paisaje,y parecida a la bandera LGTtQ+..

Dibujé la portada en mi cuaderno, reflexioné y escribí sobre la idea del proyecto, lo presenté en una exposición sobre procesos, y en ese devenir, buscando en internet, llegué hasta la carta de ajuste de Tele 5, y ahí supe que la había encontrado. Una imagen anacrónica, que nos habla de la velocidad y la obsolescencia de la tecnología, íntima en mis referencias personales y colectivas, y espejo donde se miran y calibran las propias imágenes.

El hecho de convertirla en una tarta, y esa tarta de nuevo en una imagen que literalmente se consume en un acto de glotonería, es una clara metáfora sobre nuestra relación con las pantallas, y las imágenes que estas emiten sin cesar. Reflejos espectrales, sin cuerpo pero con entidad mutante, que se han convertido en el espacio que habitamos, y el paisaje en el que nos movemos.

La tarta negra de bizcocho relleno con sabores sorpresa, uno por color, reproducirá en su superficie impresa en papel comestible una carta de ajuste sin el negro, ya presente en el fondo de la mesa/pantalla

4. Instrospective una mesa tarta
Una mesa nos invita a la acción. Dispuestos a su alrededor, nos disponemos a experimentar casi siempre en compañía; charlamos, comemos, discutimos, nos reímos o debatimos. Pero también es un objeto para disfrutar desde la soledad y la introspección; dibujamos, leemos, proyectamos o escribimos. Lo público y lo privado coexisten en su forma de uso.

Una mesa es un elemento primordial en la definición del espacio, y también en este proyecto. Un dispositivo que activa la relaciones a su alrededor, reúne a todos entorno suyo, unidos y a la vez separados por ese objeto.

Al utilizarla como elemento vertebrador de la acción registrada en el video, y al volverla a reutilizar replicando el set de grabación como display expositivo, se reactiva para el público, estableciendo nuevas interconexiones, relaciones, y posibles diálogos entre los activadores de la pieza.

3. Introspective an image/cake
When it came to deciding which image we would eat, it was clear to me from the start that it would not be figurative. I went back to my work notebooks, where I keep, collect and accumulate a wide variety of references, texts and images, and in the process I remembered the cover of the Pet Shop Boys’ album Introspective, the album from which this project borrows its title. It was an intimate, but abstract image, constructed with vertical colour bars resembling a rainbow, again the landscape, and resembling the LGTtQ+ flag….

I drew the cover in my notebook, I reflected and wrote about the idea of the project, I presented it in an exhibition about processes, and in this process, searching the internet, I came across the Tele 5 adjustment chart, and that’s when I knew I had found it. An anachronistic image, which speaks to us of the speed and obsolescence of technology, intimate in my personal and collective references, and a mirror in which the images themselves are looked at and calibrated.

The fact of turning it into a cake, and that cake again into an image that is literally consumed in an act of gluttony, is a clear metaphor for our relationship with screens, and the images that they endlessly emit. Spectral reflections, disembodied but with a mutant entity, that have become the space we inhabit, and the landscape in which we move.

The black sponge cake filled with surprise flavours, one per colour, will reproduce on its surface printed on edible paper an adjustment chart without the black, already present in the background of the table/screen.

4. Instrospective a cake table
A table invites us to action. Arranged around it, we are almost always ready to experiment in company; we chat, eat, discuss, laugh or debate. But it is also an object to be enjoyed in solitude and introspection; we draw, read, project or write. The public and the private coexist in the way it is used.

A table is a primordial element in the definition of space, and also in this project. A device that activates the relationships around it, bringing everyone together around it, united and at the same time separated by this object.

By using it as the backbone of the action recorded in the video, and reusing it by replicating the recording set as an exhibition display, it is reactivated for the public, establishing new interconnections, relationships and possible dialogues between the activators of the piece.

5. Plan de rodaje
La grabación de Introspective se realizará durante una fiesta. La organización de dicho evento, la lista de invitados, la logística, la producción y el guion de rodaje se determinarán y se elaborarán una vez concedida la beca.

Indispensable para asistir a la fiesta será aportar una imagen, un texto, un vídeo, un libro, una referencia, un escrito, una cita, un fragmento… sobre la historia, el status, el significado, el ser de las imágenes, sus verdades o mentiras, sus contradicciones… sobre la memoria, los recuerdos, los proyectos y experiencias pasados, futuros, inventados, recreados, vividos o por venir.

Posteriormente,con todo ese material, se escribirá un guion y una escaleta de rodaje que será interpretado por los invitados a la fiesta, pero que también estará abierto a la improvisación y el azar durante la celebración y la performance.

6. Conclusión
“Introspective” se plantea, pues, como una exploración de lo visual desde lo que no se ve, pero se oye, se intuye o se imagina; sobre la imagen como horizonte, límite y frontera entre lo real y lo imaginado. Relato múltiple, contado a partir de una serie de narraciones que discurrirán en paralelo a una secuencia lineal y simétrica, sin clímax, donde el peso del relato está fuera, en la mirada del que observa.

Cuando todo a nuestro alrededor se mueve a un ritmo de vértigo, este proyecto nos propone un mirar hacia adentro, una pausa necesaria, olvidada. Recuperar la mirada reflexiva, la parada física frente a una pantalla, pero también introspectiva.

Acordarnos, en suma, que dentro de nosotros, y de las imágenes que miramos, o decidimos no mirar porque nos aterran, habitamos nosotros mismos, y todos los demás.

Porque divagar, dejarse llevar y perder la conciencia ante una pantalla es casi un ejercicio subversivo; un deleite sublime, y en este caso también un viaje sin rumbo por la historia de las imágenes.

5. Filming schedule
The filming of Introspective will take place during a party. The organisation of the event, the guest list, the logistics, the production and the shooting script will be determined and worked out after the grant has been awarded.

In order to attend the party, it is essential to bring an image, a text, a video, a book, a reference, a piece of writing, a quote, a fragment… about the history, the status, the meaning, the being of the images, their truths or lies, their contradictions… about memory, memories, projects and experiences, past, future, invented, recreated, lived or to come.

Subsequently, with all this material, a script and a shooting schedule will be written, which will be interpreted by the guests at the party, but which will also be open to improvisation and chance during the celebration and the performance.

6. Conclusion
«Introspective» is therefore conceived as an exploration of the visual from what is not seen, but heard, sensed or imagined; about the image as horizon, limit and frontier between the real and the imagined. A multiple story, told from a series of narratives that run parallel to a linear and symmetrical sequence, without climax, where the weight of the story is outside, in the gaze of the observer.

When everything around us is moving at a dizzying pace, this project proposes a look inwards, a necessary, forgotten pause. To recover the reflective gaze, the physical pause in front of a screen, but also the introspective one.

To remember, in short, that within ourselves, and within the images we look at, or decide not to look at because they terrify us, we inhabit ourselves, and everyone else.

Because to wander, to let ourselves go and lose consciousness in front of a screen is almost a subversive exercise; a sublime delight, and in this case also an aimless journey through the history of images.

la mano amiga

La mano amiga. Audio monocanal. 2h. 14′, 35». 2023

Obra sonora donde una maquina con voz de hombre y mujer reproducen, con su particular dicción vacía de emoción y nuevos errores, los cien textos del libro Oráculo.

 

The Helping Hand. Monocanal audio. 2h. 14′, 55». 2023

Sound work where a machine with the voices of a man and a woman reproduce, with their particular diction empty of emotion and new errors, the hundred texts of the book Oracle.

UIDP

UIDPD/UNVSJ
Estudio Dagoberto Rodríguez. Madrid. Abril 2024
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UIDPD/UNVSJ
Dagoberto Rodríguez Studio. Madrid. April 2024
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Bajo el marco espacio/temporal que dibujan los acrónimos UIDPD/UNVSJ  presentamos y compartimos en el estudio del artista cubano Dagoberto Rodríguez las iniciativas culturales que llevamos desarrollando desde hace cuatro años en La Línea, Cádiz, mi ciudad natal, en colaboración con la Delegación de Cultura del Auntamiento de La Línea, la Galería Municipal Manolo Alés dirigida por Macarena Alés, artistas, asociaciones, colectivos y las gentes del Campo de Gibraltar.

Ocupando todos los espacios del estudio se desplegaron la publicación y el estandarte de Una Idea de Paisaje (UIDP) -el comisariado que realicé en 2022-, una relectura o duplicado de esa “idea”, junto con Un Nuevo y Viejo San Juan (UNVSJ); el nuevo proyecto que llevariamos a cabo en la primavera de 2024.

Además de estas iniciativas también mostramos los  poster como imagen grafica de Shawati (orilla), una serie de encuentros independientes y autogestionados entre gestores y espacios culturales de Marruecos, Ceuta y el Campo de Gibraltar y cuyo objetivo es establecer lazos de intercambio y cooperación con el Estrecho como marco histórico, cultural y geográficos; la presentación del libro de Gloria Luca, coproducido por Documenta Fifteen, sobre el proyecto de Dan Perjovschi The Horizontal Newspaper en la Garrison Library de Gibraltar; Nuevo Oráculo y la colaboración de Dagoberto Rodríguez y el Instituto Virgen de la Esperanza para la realización de una obra que se presentará en la primavera de 2025 en La Línea.

Under the space/time frame drawn by the acronyms UIDPD/UNVSJ we presented and shared in the studio of Cuban artist Dagoberto Rodriguez the cultural initiatives we’ve been developing for the past four years in La Linea, Cadiz, my hometown, in collaboration with the Cultural Delegation of the City Council of La Linea, the Municipal Gallery Manolo Alés directed by Macarena Alés, artists, associations, collectives and the people of the Campo de Gibraltar.

Occupying all the spaces of the studio were displayed the publication and the banner of An Idea of Landscape (UIDP) -the curatorship I carried out in 2022-, a re-reading or duplicate of that “idea”, together with A New and Old San Juan (UNVSJ); the new project that we would carry out in the spring of 2024.

In addition to these initiatives we also show the posters as a graphic image of Shawati (shore), a series of independent and self-managed meetings between managers and cultural spaces of Morocco, Ceuta and the Campo de Gibraltar and whose aim is to establish ties of exchange and cooperation with the Strait as a historical, cultural and geographical framework; the presentation of Gloria Luca’s book, co-produced by Documenta Fifteen, on Dan Perjovschi’s project The Horizontal Newspaper at the Garrison Library in Gibraltar; New Oracle and the collaboration of Dagoberto Rodríguez and the Instituto Virgen de la Esperanza for the realization of a work to be presented in the spring of 2025 in La Línea.

le més possible de menys

El més possible de menys. Casal Solleric. Palma. Julio 2023
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The most possible of less. Casal Solleric. Palma. July 2023
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Las ideas mutan, incluso con el simple hecho de verbalizarlas, volver a pensarlas o dibujarlas en un papel. Pero, es al materializarlas, al llevarlas a la práctica, cuando estoy especialmente atento a qué acontece. Observo y reflexiono sobre cómo se transforman esas ideas y surgen nuevas narraciones paralelas o divergentes por el camino; semillas que recolecto y hago brotar con tanta paciencia como determinación, por muy dilatado que sea su tiempo de germinación. Esta exposición, y las obras que en ella se presentan, son el mas claro ejemplo de esta manera de abordar y entender el desarrollo de mi pensamiento y su hacer.

Ideas mutate, even with the simple act of verbalising them, rethinking them or drawing them on paper. But it is when they are materialised, when they are put into practice, that I am particularly attentive to what happens. I observe and reflect on how these ideas are transformed and how new parallel or divergent narratives emerge along the way; seeds that I collect and make sprout with as much patience as determination, however long their germination time may be. This exhibition, and the works presented in it, are the clearest example of this way of approaching and understanding the development of my thinking and his work.

Muchos de mis proyectos se basan en secuencias y sistemas automatizados y repetitivos donde, no obstante, el azar y el error siempre están presentes, asumiéndose como nuevos factores que siempre suman. A pesar de esa supuesta rigidez procesual y a una estética austera, precisa, mis obras crecen paradójicamente de una forma muy orgánica, rizomática, como un arbusto, a partir de su propia relectura, y de aceptar y rentabilizar mis fracasos como parte de todo proceso vital y creativo.

Lo más posible de menos nos responde y desarrolla la siguiente pregunta ¿Cómo mi particular manera de abocetar imágenes, un proceso interno y residual, con el tiempo y la observación evoluciona hacia una investigación sobre la naturaleza de esas mismas imágenes, la pintura y el paisaje desde la abstracción más radical? La respuesta es el multipágina. Folios impresos y pegados entre sí que utilizo como método doméstico para elaborar previsualizaciones a escala 1/1 de mis futuras piezas fotográficas. Son fáciles de plegar, transportar y almacenar, y su coste material y económico es muy bajo.

Many of my projects are based on sequences and automated and repetitive systems where, nevertheless, chance and error are always present, assuming themselves as new factors that always add up. Despite this supposed processual rigidity and an austere, precise aesthetic, my works paradoxically grow in a very organic, rhizomatic way, like a bush, from his own re-reading, and from accepting and making the most of my failures as part of every vital and creative process.

How does my particular way of sketching images, an internal and residual process, evolve with time and observation into an investigation of the nature of those same images, painting and landscape from the most radical abstraction? The answer is the multipage. Printed sheets of paper glued together that I use as a domestic method to produce 1/1 scale previews of my future photographic pieces. They are easy to fold, transport and store, and their material and economic cost is very low.

Ese multipágina, ese boceto, se muestra por primera vez como una obra autónoma en el proyecto Un mensaje para Anabel. Posteriormente despliega todo su potencial en la serie Lo quiero todo, que vemos al inicio de esta exposición. Se trata de un conjunto de 100 multipáginas monocromos producidos con una impresora casera a partir de 88 A4 pegados entre sí. Un total de 100 colores y 8.800 impresiones. Cada multipágina parte de un idéntica matriz fría y aséptica generada por ordenador, modificada antes de imprimirse tan solo para cambiar el color de cada ejemplar. Sin embargo, una vez impresos los monocromos, la trama que fue tejiendo la impresora y las tintas industriales hacían surgir aquí y allá cientos de errores que decidí incluir en las piezas finales; autosaboteándome y humanizando la mecánica del plan de trabajo en su idea original, imprimir un monocromo perfecto

Volver con atención una y otra vez para elaborados, observarlos fallos de la impresora, analizar su estructura interna y cómo se construyen, devienen en una serie de nuevas reformulaciones estéticas y conceptuales.

This multipage, this sketch, is shown for the first time as an autonomous work in the project A Message for Anabel. Subsequently, it unfolds its full potential in the series Lo quiero todo (I want it all), which we see at the beginning of this exhibition. It is a set of 100 monochrome multi-pages produced with a home printer from 88 A4 sheets glued together. A total of 100 colours and 8,800 prints. Each multipage starts from an identical cold and aseptic computer-generated matrix, modified before printing only to change the colour of each copy. However, once the monochromes were printed, the weave of the printer and the industrial inks caused hundreds of errors to appear here and there, which I decided to include in the final pieces; self-sabotaging and humanising the mechanics of the work plan in my original idea, to print a perfect monochrome.

Returning attentively again and again to elaborate, to observe the printer’s errors, to analyse their internal structure and how they are built up, they result in a series of new aesthetic and conceptual reformulations.

La primera de ellas Pedro: serie de grabados donde se fusionan agrupados en cinco obras los 965 errores de impresión contabilizados en los cien multipáginas de Lo quiero todo. Posteriormente las cuadrículas y los errores de los cien colores ubicados dentro de la trama o matriz del multipágina -y que en su día me sirvieron para organizar los miles de folios- fueron los utilizados para editar las dos series de estampas Otra vida futura I,II. La primera de ellas reproduce a partir de una tinta calcográfica mezclada manualmente el color digital de cada monocromo, dejando en blanco la posición exacta de los errores correspondientes a cada multipágina. En la segunda serie el color fue eliminado, gofrando y resaltando el error en su posición dentro de la cuadrícula, generando en su conjunto una especie de nuevo código o lenguaje cifrado. El siguiente paso fue la edición de Oráculo. Un libro de artista que recoge invertidas las cuadrículas de Otra vida futura I, acompañadas por 100 textos escritos por 100 familiares, amigos y colegas de profesión sobre el color que les tocó por orden alfabético estricto. En palabras de su editor “el resultado es un libro de enigmática belleza visual y fascinante lectura, una experiencia realmente variada y saturada de evocaciones; una auténtica fiesta de gamas, voces, matices y sabores tutti frutti”.

Todas estas obras citadas finalmente se vuelven a fusionar en las dos obras que se escucharán por primera vez en esta exposición, Nuevo oráculo y La mano amiga, que son hasta la fecha el último capítulo de esta historia. Nuevo oráculo, cuya partitura musical para impresora e instrumentos de percusión se basa en las páginas de Oráculo, es un Divertimento para impresora e instrumentos de percusión que traduce del blanco al negro, pasando por las escalas del cian, el magenta y el amarillo y el círculo cromático los errores a música. Y por último La mano amiga, una obra sonora donde una maquina con voz de hombre y mujer reproduce, con su particular dicción vacía de emoción y nuevos errores, los cien textos del libro Oráculo.

 

The first of these is Pedro: a series of engravings in which the 965 printing errors counted in the hundred multi-pages of Lo quiero todo are grouped into five works. Subsequently, the grids and the errors of the hundred colours located within the frame or matrix of the multipage – which I used to organise the thousands of pages – were used to edit the two series of prints Otra vida futura I, II. The first of these reproduces the digital colour of each monochrome using intaglio ink mixed manually, leaving the exact position of the errors corresponding to each multipage blank. In the second series the colour was eliminated, embossing and highlighting the error in its position within the grid, generating as a whole a kind of new code or coded language. The next step was the edition of Oracle. An artist’s book that collects the inverted grids of Another Future Life I, accompanied by 100 texts written by 100 family members, friends and professional colleagues about the colour they were assigned in strict alphabetical order. In the words of its editor «the result is a book of enigmatic visual beauty and fascinating reading, a truly varied experience saturated with evocations; a veritable feast of ranges, voices, nuances and tutti frutti flavours».

All these works finally merge again in the two works that will be heard for the first time in this exhibition, Nuevo oráculo (New Oracle) and La mano amiga (The Helping Hand), which are to date the last chapter of this story. Nuevo oráculo, whose musical score for printer and percussion instruments is based on the pages of Oracle, is a Divertimento for printer and percussion instruments that translates errors from white to black, passing through the scales of cyan, magenta and yellow and the chromatic circle into music. And finally La mano amiga, a sound work where a machine with the voice of a man and a woman reproduces, with its particular diction empty of emotion and new errors, the hundred texts of the book Oráculo.

 

Todos estos proyectos, incluidas estas nuevas producciones, son una intensa oda al y el azar en clave sintética y codificada, a la vez que una apuesta desinhibida por la belleza, intensamente emocional, sensual y evocadora. En su conjunto suponen un viaje de ida y vuelta -con toda la pérdida y la ganancia que ello conlleva- de lo manual a lo mecánico, de lo analógico a lo digital, del pigmento a la luz, y de lo abstracto a lo concreto. Una profunda reflexión sobre el color -y él no color- a través de la construcción de paisajes mentales, visuales, sonoros y literarios.

All these projects, including these new productions, are an intense ode to chance in a synthetic and codified key, as well as an uninhibited commitment to beauty, intensely emotional, sensual and evocative. As a whole, they represent a journey back and forth – with all the loss and gain that this entails – from the manual to the mechanical, from the analogue to the digital, from pigment to light, and from the abstract to the concrete. A profound reflection on colour – and non-colour – through the construction of mental, visual, sonorous and literary landscapes.

nuevo oráculo

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Nuevo Oráculo. Divertimento animado para impresora sampleada e intrumentos de percusión. Modulo de Led de 50 x 50 cm. 15′ 53». 2023.

Las ideas, al igual que las imágenes, mutan, incluso con el simple hecho de verbalizarlas, mirarlas, volver a pensar en ellas o dibujarlas en un papel. Pero, es al materializarlas, al llevarlas a la práctica, cuando estoy especialmente atento a qué acontece. Observo y reflexiono sobre cómo se transforman esas ideas, cómo esas imágenes cobran forma y surgen nuevas narraciones paralelas o divergentes por el camino; semillas que recolecto y hago brotar con tanta paciencia como determinación, por muy dilatado que sea su tiempo de germinación.

Durante más de una década he ido encadenando diferentes lecturas estéticas y conceptuales a partir de observar atentamente mi propio proceso de trabajo, y los errores de mi impresora casera. Nuevo Oráculo es el último capítulo hasta la fecha de este viaje por el color y el paisaje, desde la abstracción más radical; una materia y un tema que han recorrido intermitentemente la historia de la pintura.

Lo quiero todo, Pedro, Otra vida futura I/II, Oráculo y La mano amiga —proyectos todos ellos surgidos del error-— se vuelven a fusionar en Nuevo Oráculo; una pieza musical compuesta en colaboración con María de Grandy, Lux (Jaime Martín) y Sofía Martínez.

Nuevo Oráculo es un Divertimento animado para impresora sampleada e instrumentos de percusión, dividido en cinco movimientos, cada uno de ellos dedicado a un color y a un instrumento. Así el negro/impresora, el amarillo/Gloklenspiel, el magenta/marimba, el cyan/campanas tubulares y el círculo cromático/esemble de percusión se acompañan de una videoanimación donde los miles de errores de los cien monocromos multipáginas recogidos en el libro Oráculo, y que han servido como partitura visual para Nuevo Oráculo, se transforman en impulsos lumínicos recorriendo todo el espectro de la luz.

En cada uno de los movimientos, esos errores se mueven, entran y salen, se suman o se restan con un montaje diferente y relacionado con la composición musical y la sonoridad del instrumento,.

Todas las obras que condensa Nuevo Oráculo son, en definitiva, una intensa oda al azar y al error en clave sintética y codificada, a la vez que una apuesta desinhibida por la belleza, intensamente emocional, sensual y evocadora. En su conjunto, suponen un viaje de ida y vuelta -con toda la pérdida y la ganancia que ello conlleva- de lo manual a lo mecánico, de lo analógico a lo digital, del pigmento a la luz, y de lo abstracto a lo concreto. Una profunda reflexión sobre el color -y el no color- a través de la construcción de paisajes mentales, visuales, sonoros y literarios.

Nuevo Oráculo. Animated divertimento for sampled printer and percussion instruments. Led module of 50 x 50 cm. 15′ 53». 2023

Ideas, like images, mutate, even with the simple act of verbalizing them, looking at them, thinking about them again or drawing them on paper. But it is when I materialize them, when I put them into practice, that I am especially attentive to what happens. I observe and reflect on how these ideas are transformed, how these images take shape and how new parallel or divergent narratives emerge along the way; seeds that I collect and sprout with as much patience as determination, however long their germination time may be.

For more than a decade I have been stringing together different aesthetic and conceptual readings from carefully observing my own work process, and the mistakes of my home printer. New Oracle is the last chapter to date of this journey through color and landscape, from the most radical abstraction; a matter and a theme that have intermittently traveled the history of painting.

I Want Everything, Pedro, Other future Live, I/II, Oracleo and The Helping Hand –all projects that emerged from error– merge again in New Oracle  a musical piece composed in collaboration with María de Grandy, Lux (Jaime Martín) and Sofía Martínez.

New Oracle is an animated Divertimento for sampled printer and percussion instruments, divided into five movements, each one dedicated to a color and an instrument. Thus the black/printer, the yellow/Gloklenspiel, the magenta/marimba, the cyan/tubular bells and the chromatic circle/instrumental fantasy are accompanied by a video animation where the thousands of errors of the hundred multi-page monochromes collected in the book Oracle, which have served as visual score for New Oracle, are transformed into light impulses running through the entire spectrum of light.

In each of the movements, these errors move, enter and leave, are added or subtracted with a different montage related to the musical composition and the sonority of the instrument.

All the works condensed in Nuevo Oráculo are, in short, an intense ode to chance and error in a synthetic and codified key, as well as an uninhibited bet for beauty, intensely emotional, sensual and evocative. As a whole, they represent a round trip -with all the loss and gain that this entails- from the manual to the mechanical, from the analogical to the digital, from pigment to light, and from the abstract to the concrete. A profound reflection on color -and non-color- through the construction of mental, visual, sonorous and literary landscapes.

Para la composición del primer movimiento, donde la absoluta protagonista en la impresora, se han registrado todos sus sonidos: encendido, modos de impresión, reseteo, limpieza y apagado.

Estas grabaciones son las que LUX ha manipulado, sampleado y distorsionado para crear un diálogo entre un corazón y una máquina.

A ese latido cadencioso, que nos presenta en los primeros once segundos la cuadrícula blanca y vacía del multipágina, se van sumando sonidos y colores/errores del gris más claro hasta llegar al negro absoluto.

El resultado es una suerte de «overtura» industrial, ruidista y repetitiva, pero llena de matices, que en su clímax sonoro y visual nos anima a bailar.

For the composition of the first movement, where the absolute protagonist is the printer, all its sounds have been recorded: power on, printing modes, reset, cleaning and shutdown.

These recordings are the ones that LUX has manipulated, sampled and distorted to create a dialogue between a heart and a machine.

To this cadenced beat, which presents us in the first eleven seconds with the white and empty grid of the multipage, sounds and colors/errors are added, from the lightest gray to black. 

The result is an industrial «overture» soundtrack, noisy and repetitive, but full of nuances, which in its sonorous and visual climax encourages us to dance.

 

 

 

En el segundo movimiento dedicado al Glokenspiel, chispeante, punzante y agudo como el amarillo, los colores saltan y avanzan en un movimiento circular por la cuadrícula; una sucesión de repeticiones y cadencias que, como en todos las demás gradaciones, van del amarillo más claro, casi blanco, al más oscuro casi negro.

A la mitad de la escritura, cuando aparece el negro en la suma del color, la sonoridad se vuelve cada vez más metálica y estridente. Se trata de una segunda voz electrónica conseguida aplicando síntesis granular a la partitura de María de Grandy. 

Esta duplicación de las notas tratadas sintéticamente dialoga con el metal del instrumento hasta casi anularlo por completo, volviendo la escucha un tanto irritante. El volumen de esta segunda voz va aumentando en la misma proporción que lo hace la mezcla de amarillo y negro.

In the second movement dedicated to the Glokenspiel, sparkling, sharp and sharp as yellow, the colors jump and advance in a circular motion across the grid; a succession of repetitions and cadences that, as in all the other colors, go from the lightest yellow, almost white, to the darkest almost black.

In the middle of the writing, when black appears in the sum of the color, the sonority becomes more and more metallic and strident. This is a second electronic voice obtained by applying granular synthesis to Maria de Grandy’s score. 

This duplication of the synthetically treated notes dialogues with the metal of the instrument until it almost overlaps it completely, making the listening somewhat irritating. Its volume increases in the same proportion as the mixture of yellow and black.

 

Para animar a la marimba en el tercer movimiento, los errores distribuidos por las diferentes cuadrículas -agrupados o individualmente- se deslizan por la pantalla, al igual que las baquetas recorren y hacen sonar las láminas del instrumento. Entran y salen al compás de la música recorriendo todos los matices del magenta.

El magenta, color cálido por excelencia, sus rosados y sus profundos granates dibujan y redibujan composiciones abstractas -aunque por unos segundos nos parezca ver a una cara sonriente guiñarnos un ojo- acompañando o acompañadas por el sonido dulce, profundo y amaderado de la marimba.

El sonido de la impresora, literalmente, aparece tan solo en dos ocasiones puntuales de la escucha, justo con la aparición del negro en la escala de color, y al final, acompasándose y duplicando por momentos las notas de la marimba para cerrar el movimiento.

To animate the marimba in the third movement, the bugs distributed by the different grids of each color, grouped or individually, slide across the screen, just as the drumsticks move across and rattle the blades of the instrument. They move in and out to the beat of the music, moving through all the shades of magenta.

Magenta, a warm color par excellence, its pinks and deep maroons draw and redraw abstract compositions, even if for a few seconds we seem to see a smiling face winking at us, accompanied by the sweet, deep and woody sound of the marimba.

The sound of the printer, literally, appears only in two punctual moments of the listening, just with the appearance of black in the color scale, and at the end, accompanying and duplicating at times the notes of the marimba to close the movenment.

 

En el cuarto movimiento, el más solemne e introspectivo de todos, las campanas tubulares despiertan al cyan desde la oscuridad total, pues con cada tañido surgen lentamente y emergen desde el negro todos sus matices.

En una reverberación sin fin, la música y el color, en todo su espectro e intensidades, se fusionan y dilatan sus notas y su corporeidad en un juego de apariciones, ecos y llamadas.

Cada golpe al metal, ya de por sí dilatado en su tiempo de escucha, se transforma, se expande y se solapa sutilmente con la siguiente nota, a veces casi de manera imperceptible, gracias a los efectos atmosféricos que LUX consigue troceando y distorsionando el sonido de la impresora.

Si en el amarillo y el magenta solo escuchamos a la máquina cuando el negro entra en la ecuación del color, en este movimiento el sonido de la impresora está presente desde la primera nota, justificado por el uso y recurso de la opacidad que levanta al color desde el negro hasta su matiz real en el espectro cromático, dotando al sonido y a la imagen de una profundidad siniestra y espectral.

 

 

In the fourth movement, the most solemn and introspective of all, the tubular bells awaken the cyan from total darkness, as with each peal all its nuances slowly emerge and emerge from the black.

In an endless reverberation, music and color, in all their spectrum and intensities, merge and dilate their notes and their corporeity in a game of appearances, echoes and calls.

Each hit to the metal, already dilated in its listening time, transforms, expands and subtly overlaps with the next note, sometimes almost imperceptibly, thanks to the atmospheric effects that LUX achieves by slicing and distorting the sound of the printer.

If in Yellow and Magenta we only hear the machine when black enters the color equation, in this movement the sound of the printer is present from the very first note, justified by the use of opacity that lifts the color from black to its real hue in the chromatic spectrum, endowing the sound and the image with a sinister and spectral depth.

El quinto movimiento es un recorrido por el círculo cromático en una secuencia escalonada de dieciocho colores; los tres primarios más seis intervalos entre cada uno de ellos.

Si en el resto de movimientos se han animado los errores/colores dentro de la cuadrícula, en este último  las cuadrículas aparecen casi completamente coloreadas, pues tan solo se han vaciado en el lugar correspondiente al error del multipágina, dando como resultado grandes manchas de color salpicadas por geometrías en negro.

Así surgen en la pantalla y en la composición musical, además del cyan/campanas tubulares, magenta/marimba y amarillo/glokenspiel, toda una serie de nuevos colores (naranjas, verdes, morados, rojos, azules y violetas…) y otros tantos instrumentos.

Suavemente van apareciendo y desapareciendo entre el magenta, con el que comienza el círculo, el cyan y el amarillo, congas, un triángulo, bongos, panderetas, un güiro, un vibraslap, una caja, platillos, cortinillas, semillas, un shaker, un gong o un pandero.

El movimiento evoluciona en tres secciones y una coda. Asi la aparición de cada color primario va acompañado de un solo de marimba, campanas tubulares y glokenspiel; dando paso al  intervalo de los cinco colores/instrumentos entre los primarios hasta completar el círculo cromático.

El final, o modo de coda, es un diálogo enloquecido entre los intrumentos solistas y una sucesión animada de las cuadrículas sin orden ni sentido, en una secuencia de opacidades que dan como resultado la aparición de cientos de nuevos colores y matices; metáfora visual y sonora de las infinitas combinaciones posibles en la creación musical y plástica.

The fifth movement is a journey through the chromatic circle in a staggered sequence of eighteen colors; the three primaries plus six intervals between each one of them.

If in the rest of the movements the errors/colors within the grid have been animated, in this last movement the grids appear almost completely colored, since they have only been emptied of color in the place corresponding to the error of the multipage, resulting in large spots of color splashed by black geometries.

Thus, in addition to cyan/tubular bells, magenta/marimba and yellow/glokenspiel, a whole series of new colors (oranges, greens, purples, reds, blues and violets…) and as many instruments appear on the screen and in the musical composition.

Gently appearing and disappearing between magenta, with which the circle begins, cyan and yellow, congas, a triangle, bongos, tambourines, a güiro, a vibralash, a snare, cymbals, cortinillas, seeds, a shelker, a gong or a tambourine.

Divided into three sections and a coda, each primary color is accompanied by a marimba solo, tubular bells and glokenspiel. A prelude gives way to each interval of five colors/instruments until the chromatic circle is complete,

The finale, or coda mode, is a mad dialogue between the soloists and an animated succession of grids without order or sense, in a sequence of opacities that result in the appearance of hundreds of new colors and shades as a metaphor of the infinite possible combinations in the musical and plastic creation of notes and colors.

un nuevo y viejo san juan

Un nuevo y viejo San Juan I
La Línea, Cádiz. Primavera 2024
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En 2002 Una Idea de Paisaje, un proyecto desarrollado durante tres meses en colaboración con la Delegación de Cultura del Ayuntamiento de La Línea, acabó con una fiesta alrededor de una gran bola de fuego. En la primavera de este año ha sido de nuevo el fuego, las gentes de La Línea y sus alrededores -y el trabajo de Karishma Chugani pleno de rituales de vida, muerte y renacimiento, seres fantásticos y mitológicos, dioses y monstruos de diferentes culturas- los protagonistas de Un Viejo y Nuevo San Juan.

Durante milenios, las ceremonias asociadas al fuego purificador se han adaptado y modificado a lo largo del tiempo en diferentes culturas alrededor del mundo; la noche de San Juan es una de ellas. Previa a la festividad cristiana del nacimiento de San Juan Bautista el día 24 de junio, es una tradición que se pierde en los orígenes de las culturas mediterráneas, celebra el paso de la primavera al verano, y tiene a las llamas y el agua como elementos sanadores.

La festividad de San Juan ha sido durante toda la historia de La Línea una noche para celebrar en comunidad por toda la ciudad. En las playas de Levante la fiesta era especialmente intensa, y las familias y los amigos se reunían para cantar, bailar, beber y comer todo el día, esperando la noche para prender el fuego. A lo largo de la costa, desde la frontera con Gibraltar hasta la Iglesia del Carmen, se sucedían las hogueras construidas con materiales reciclados. Lamentablemente, durante los años previos a la pandemia ocurrieron incidentes y manifestaciones de violencia que motivaron, tras el parón de la covid, la decisión del Ayuntamiento de licitar las hogueras autoconstruidas por los vecinos de las barriadas del Castillo, San Bernardo y la Atunara.

Un Viejo y Nuevo San Juan es un proyecto de largo recorrido que pretende recuperar paso a paso para la ciudadanía una fiesta popular tan identitaria como es la Noche de San Juan, además de la Verbena de San Bernardo. Nuestro objetivo es generar relaciones solidarias y participativas; crear vínculos comunitarios de cooperación colectiva y gestionar nuestros recursos materiales y emocionales de una manera eficiente para construir nuevos contextos relacionales. Entre todos visitaremos el pasado para construir el futuro, planteado lo lúdico y lo festivo como un momento de aprendizaje, pues el arte también es un juego.

An Old and New San Juan I.
La Línea, Cadiz. Spring 2024
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In 2002 An Idea of Landcaspe, a project developed over three months in collaboration with the Cultural Delegation of the City of La Línea, ended with a party around a great ball of fire. In the spring of this year it was again the fire, the people of La Línea and its surroundings – and the work of Karishma Chugani full of rituals of life, death and rebirth, fantastic and mythological beings, gods and monsters from different cultures – the protagonists of An Old and New San Juan.

For millennia, the ceremonies associated with purifying fire have been adapted and modified over time in different cultures around the world; the night of San Juan is one of them. Preceding the Christian feast of the birth of St. John the Baptist on June 24, it is a tradition that is lost in the origins of Mediterranean cultures, celebrates the passage from spring to summer, and has flames and water as healing elements.

The feast of San Juan has been throughout the history of La Línea a night to celebrate in community throughout the city. On the Levante beaches the party was especially intense, and families and friends gathered to sing, dance, drink and eat all day, waiting for the night to light the fire. All along the coast, from the border with Gibraltar to the Church of Carmen, bonfires were built with recycled materials. Unfortunately, during the years prior to the pandemic there were incidents and violent manifestations that motivated, after the stop of the covid, the decision of the City Council to tender the bonfires self-built by the neighbors of the neighborhoods of El Castillo, San Bernardo and La Atunara.

An Old and New San Juan is a long-range project that aims to recover step by step for the citizens a popular festival as identity as the Night of San Juan, in addition to the Verbena de San Bernardo. Our objective is to generate solidary and participative relationships; to create community bonds of collective cooperation and to manage our material and emotional resources in an efficient way in order to build new relational contexts. Together we will visit the past to build the future, considering the playful and festive as a moment of learning, because art is also a game.

Los proyectos expositivos y didácticos

Karisha Chugani, la artista marroquí de origen hindú invitada para inaugurar este nuevo ciclo de proyectos, mostró su trabajo en los dos espacios expositivos de la Galería Municipal Manolo Alés, de nuevo el epicentro de todas nuestras actividades.

En su práctica artística y vital Karishma actualiza, revitaliza y fusiona los rituales ancestrales que forman parte de todas las culturas que conviven en el área del Estrecho de Gibraltar: la cristiana, la judía, la musulmana y la hindú, y por supuestos de todas las tradiciones paganas de las que se nutren todas estas religiones.

En la tercera planta de la Casa de la Cultura, edificio donde se encuentra la Galería Municipal, presentó su instalación Cortège. Un cortejo es un acto de cortejar: seducir para conseguir el amor. Es el conjunto de personas que se unen y nos escoltan en una ceremonia. Pero, ¿Quién o quiénes nos acompañan en la vida o en la muerte? El cortejo que finalmente va junto a Karishma es un baile macabro de figuras recortadas en papel nepalí realizadas con una factura exquisita y preciosista. Se trata de un conjunto de seres de todo tipo: fantasmas, animales, humanos, híbridos, muertos, vivos, criaturas reales o imaginarias.

Las cuarentas imágnes creadas para Cortège se agrupan en cuatro series. Cada una de ellas correspondientes a una de las estaciones del año; un ciclo vital sin fin de muerte, vida y renacimiento. Así, el invierno explora él antes de la vida, la siembra y la gestación; la primavera es el nacimiento, los pequeños brotes que crecen lentamente, la niñez y la juventud; el verano la madurez, la vida plena, pero también la enfermedad y la vejez, y finalmente el otoño es la muerte, la despedida, y lo que viene después.

The exhibition and didactic projects

Karisha Chugani, the Moroccan artist of Indian origin invited to inaugurate this new cycle of projects, showed her work in the two exhibition spaces of the Manolo Alés Municipal Gallery, once again the epicenter of all our activities.

In her artistic and vital practice Karishma updates, revitalizes and merges the ancestral rituals that are part of all cultures that coexist in the area of the Strait of Gibraltar: Christian, Jewish, Muslim and Hindu, and of course all the pagan traditions that nourish all these religions.

On the third floor of the Casa de la Cultura, the building where the Municipal Gallery is located, he presented his installation Cortège. A courtship is an act of courting: to seduce in order to obtain love. It is the group of people who join and escort us in a ceremony. But who accompanies us in life or in death? The cortege that finally goes with Karishma is a macabre dance of figures cut out of Nepalese paper made with an exquisite and precious workmanship. It is a collection of beings of all kinds: ghosts, animals, humans, hybrids, dead, living, real or imaginary creatures.

The forty images created for Cortège are grouped into four series. Each of them corresponds to one of the seasons of the year; an endless life cycle of death, life and rebirth. Thus, winter explores the before life, sowing and gestation; spring is birth, the small shoots that grow slowly, childhood and youth; summer is maturity, full life, but also illness and old age, and finally autumn is death, farewell, and what comes after.

En esta nueva versiòn de Cortège las imágenes se entremezclan utilizando para su instalación materiales recogidos en las playas de La Línea. Suspendidas atadas a cañas en la oscuridad, e iluminadas y activadas por las personas que se adentran en el cortejo creado por Karishma, transicionan entre la luz y la oscuridad, la fertilidad da paso al descanso, lo masculino y lo femenino no existen, como tampoco la diferencia entre hombre y animal. Este baile ritual al que nos invita la artista -y en el que cada uno de nosotros es un ser vivo mas- este cortejo amenizado por la música creada ex profeso por David Mendoza e Iris Pérez de Teatro Bobó, nos enreda en una historia de historias, un lugar donde empezar todo de nuevo y donde todo es posible.

Como antesala a la instalación, y antes de cruzar los cortinajes de terciopelo rojo que daban paso a la penumbra, creamos un espacio de transición para la relajación y la introspección. Un lugar acogedor, ilumniado con luz tenue y envuelto en olor a palo santo, donde los grupos de visitantes eran invitados a sentarse en circulo y a reflexinar sobre sus miedos; visualizarlos, compartirlos y ofrecérselos a Ganesha como ofrenda. Ganesha es un Dios reverenciado alrededor del mundo como removedor de obstáculos, patrono de las artes, de las ciencias y señor de la abundancia.

In this new version of Cortège, the images are intermingled using materials collected on the beaches of La Línea. Suspended tied to reeds in the dark, and illuminated and activated by the people who enter the courtship created by Karishma, they transition between light and darkness, fertility gives way to rest, masculine and feminine do not exist, nor does the difference between man and animal. This ritual dance to which the artist invites us -and in which each one of us is another living being- this procession enlivened by the music created by David Mendoza and Iris Pérez of Teatro Bobó, entangles us in a story of stories, a place where everything starts all over again and where everything is possible.

As a prelude to the installation, and before crossing the red velvet curtains that gave way to the twilight, we created a transitional space for relaxation and introspection. A cozy place, lit with dim light and enveloped in the scent of palo santo, where groups of visitors were invited to sit in a circle and reflect on their fears, visualize them, share them and offer them to Ganesha as an offering. Ganesha is a God revered around the world as a remover of obstacles, patron of the arts, sciences and lord of abundance.

En la Galería Municipal Manolo Alés presentamos Ángeles y Demonias, Diosas y Monstruos, un montaje expositivo donde Karishma desplegó en las paredes y en cuatro peanas exentas todo su proceso creativo; un mapa mental compuesto por bocetos, libros de artistas, recuerdos. En las paredes de la Galería también se mostraba la edición serigrafiada en papel japonés hecho a mano y colores metalizados de las cuatro series que componen Cortège; cuyo video en bucle en pantalla LED servía de banda sonora de la exposición.

Para dinamizar y activar la exposición, y en colaboración con Karishma Chugani, Juan Carlos Bracho diseñó una serie de visitas guiadas y talleres. Durante 6 semanas los alumnos de los colegios de primaria y secundaria de La Línea, y diferentes asociaciones, colectivos y agrupaciones del Campo de Gibraltar, exploraron sus propias fantasías para crear nuevos Ángeles o Demonias, Diosas o Monstruos; un nuevo imaginario propio y compartido que se uniría finalmente a los seres que ya habitaban en ese espacio. La Galería se convirtió de nuevo en un taller laboratorio de pensamiento y acción donde nos encontramos para crear, conversar y disfrutar todos juntos. En las diferentes actividades se recortaron y colorearon ballenas, medusas, rayas y peces voladores; se decoraron conchas de múltiples colores; las paredes se llenaron de seres mitológicos y monstruos marinos cruzando el estrecho, y un zócalo con cientos de miedos y remedios se dibujó recorriendo el todo el perímetro de la Galería.

At the Manolo Alés Municipal Gallery we presented Angels and Demons, Goddesses and Monsters, an exhibition set-up where Karishma displayed on the walls and on four free-standing pedestals her entire creative process; a mental map composed of sketches, artists’ books, memories. The walls of the Gallery also displayed the screen-printed edition on handmade Japanese paper and metallic colors of the four series that make up Cortège; whose looped video on LED screen served as the soundtrack of the exhibition.

To energize and activate the exhibition, and in collaboration with Karishma Chugani, Juan Carlos Bracho designed a series of guided tours and workshops. For 6 weeks students from primary and secondary schools in La Línea, and different associations, groups and groups of Campo de Gibraltar, explored their own fantasies to create new Angels or Demons, Goddesses or Monsters; a new own and shared imaginary that would finally join the beings that already inhabited that space. The Gallery once again became a workshop laboratory of thought and action where we met to create, talk and enjoy together. In the different activities, whales, jellyfish, rays and flying fish were cut out and colored; shells of multiple colors were decorated; the walls were filled with mythological beings and sea monsters crossing the strait, and a plinth with hundreds of fears and remedies was drawn around the perimeter of the Gallery.

Paralelamente, al desarrollo de las actividades en la Galería Municipal y la Casa de la Cultura llevamos a cabo con los alumnos de sexto de primaria de Colegio Público Carlos V nuestra propia versión del escudo de la bandera de Andalucía con material reciclado (poda, papel, ropa y madera) el mismo utilizado para construir las hogueras del San Juan. En dicho escudo se muestra la figura de un joven Hércules sujetando y domando a dos leones entre las dos columnas de Hércules, el Monte Musa en África y el Peñón de Gibraltar en Europa.

La tradición sitúa estas columnas en el Estrecho, justo el escenario y el paisaje que se puede ver desde los ventanales del Colegio. Los elementos que componen ese escudo, y los materiales que se utilizaron para realizarlo, fueron el punto de partida para reflexionar desde diferentes perspectivas y sensibilidades sobre sobre geografía e historia del Campo de Gibraltar, sobre migración y género, sobre nuestra relación con el mundo animal y vegetal, y también sobre reciclaje y reutilización de los desechos que todos damos por inservibles.

Parallel to the development of the activities in the Municipal Gallery and the House of Culture, we carried out with the sixth grade students of Carlos V Public School our own version of the shield of the flag of Andalusia with recycled material (pruning, paper, clothing and wood) the same used to build the bonfires of San Juan. This coat of arms shows the figure of a young Hercules holding and taming two lions between the two columns of Hercules, Mount Musa in Africa and the Rock of Gibraltar in Europe.

Tradition places these columns in the Strait of Gibraltar, just the scenery and landscape that can be seen from the windows of the College. The elements that make up this shield, and the materials used to make it, were the starting point for reflection from different perspectives and sensibilities on geography and history of the Campo de Gibraltar, on migration and gender, on our relationship with the animal and plant world, and also on recycling and reuse of waste that we all take for useless.

Como acto final y cierre del proyecto se presentaron todos los trabajos de escolares, colectivos y asociaciones el viernes 21 de junio en la Galería Municipal Manolo Ales. Comimos, bebimos y nos encontramos y nos reecontramos para celebrar nuestra particular noche de San Juan alrededor de nuestra versión de las Columnas de Hércules, y de nuestro particular Hércules, que finalmente fue indultado del fuego.

En la Galería se mostraron en diálogo con las obras y el imaginario de Karishma Chigani los dibujos, recortables e intervenciones murales realizados por el variado grupo de personas que participaron en nuestras actividades. Las diferentes habilidades y sensibilidades de niños, adolescentes y adultos se diluyeron en un solo cuerpo de trabajo; una suerte de celebración colectiva plagada de ángeles, demonias, diosas y monstruos.

En el exterior, bajo palio de seres marinos, nuestro rebautizado Hércules Estrella recreaba cómicamente uno de sus doce trabajos, concretamente la victoria sobre la Hidra de Lerma, sentado majestuose sobre una montaña de sillas de colegio. Su colorida figura estaba acompañada por sus leones lolailos no binarios y flanqueada por dos columnas. Realizadas con material reciclado, como todo el conjunto, habían sido decoradas con palabras manuscritas en castellano y árabe inspiradas en los valores de esperanza, concordia y hermandad presentes en los colores y el imaginario de la bandera de Andalucía. Para su traducción contamos con la colaboración de las madres y padres de los Alumnos de Carlos V.

Con la idea de conectar todos los espacios expositivos, la escalera externa que daba acceso desde el exterior a la tercera planta de la Casa de la Cultura -donde aún seguía activa la instalación Cortège– se convirtió en un pasaje del terror con iluminación rojo sangre, más monstruos, miedos y animales fantásticos.

A través de los trabajos realizados en los talleres, tanto en la Galería como en el Colegio, se revisitaron la historia, las tradiciones y los conflictos personales y compartidos por las personas y las culturas bañadas por las aguas del Estrecho. Diferentes comunidades unidas y separadas desde el origen de los tiempos.

As a final act and closing of the project, all the works of schoolchildren, groups and associations were presented on Friday, June 21 at the Manolo Ales Municipal Gallery. We ate, drank and met and met again to celebrate our particular night of San Juan around our version of the Pillars of Hercules, and our particular Hercules, who was finally pardoned from the fire.

In the Gallery, the drawings, cut-outs and mural interventions made by the varied group of people who participated in our activities were shown in dialogue with the works and imaginary of Karishma Chigani. The different skills and sensibilities of children, teenagers and adults were diluted in a single body of work; a sort of collective celebration full of angels, demons, goddesses and monsters.

Outside, under a canopy of sea creatures, our renamed Star Hercules comically recreated one of his twelve labors, namely the victory over the Hydra of Lerma, seated majestically on a mountain of school chairs. His colorful figure was accompanied by his non-binary lolalo lions and flanked by two columns. Made with recycled material, like the whole set, they had been decorated with handwritten words in Spanish and Arabic inspired by the values of hope, harmony and brotherhood present in the colors and imaginary of the flag of Andalusia. For their translation we had the collaboration of the mothers and fathers of the Carlos V students.

With the idea of connecting all the exhibition spaces, the external staircase that gave access from the outside to the third floor of the Casa de la Cultura – where the Cortège installation was still active – became a passage of terror with blood-red lighting, more monsters, fears and fantastic animals.

Through the work carried out in the workshops, both in the Gallery and in the School, the history, traditions and personal and shared conflicts of the people and cultures bathed by the waters of the Strait were revisited. Different communities united and separated since the beginning of time.

Una idea de Paisaje y Un nuevo y Viejo San Juan cuentan con el apoyo del Ayuntamiento de La Línea y de su Delegación de Cultura, y no se podrían haber realizado sin la colaboración activa de creadores locales, nacionales e internacionales, colectivos, asociaciones, instituciones públicas y privadas, empresas y personas del área del Campo de Gibraltar, de ambos lados de la frontera y el Estrecho.

Ambas iniciativas nacieron y crecieron con el objetivo de generar espacios de encuentro, disfrute y reflexión abiertos y sin jerarquías, con los que construir relaciones solidarias y participativas, y crear vínculos comunitarios muy necesarios, especialmente en un contexto tan tensionado como es El Campo de Gibraltar.

Muchísimas gracias por haber participado y colaborado en este proyecto a Práctica Digital a Grupo Asansull. Asociación para la atención a personas con discapacidad intelectual. Centro la Cara- cola /Centro RGA Madres del 70 / Centro Villa Carmela / Centro RGA Zabal / Centro SEPAD / Centro SED Monte Calpe / Centro SEP El Junquillo; APADIS Asociación para la atención a personas con discapacidad intelectual; FEGADI. Asociación para la atención a personas con discapacidad física y orgánica; Centro Contigo. Centro de menores en acogida: Proyecto Argonautas. Grupo de apoyo a la adolescencia; Nakela Romi Fakali. Grupo de Mujeres Gitanas; Grupo de Niños y Adolescentes Gitanos; Ecolocaliza. Activismo medioambiental marino; ACES. Altas capacidades del Estrecho; Lo sé y me impota. Colectivo activismo LTGTBIQ +; Asociación Crochetera linense; Asociación Cultural Reiniciarte y a los profesores y alumnos de Carlos V.

Y especialmente a Karishma Chugani y Juan Carlos Bracho, Macarena Alés, Raúl González, Montse y Rosi, Raquel Ñeco. Juan Franco, , Salud López, Carlos Pérez, Nouha Ben Yebdri, Manuel Antonio Domínguez, Javier Martín, Marta García Cano, Beatriz Pérez, al Colectivo artistico Bobrikova de Carmen a la comisaria Maria Alejandra Gatti y a todos, todas y todes los que han hecho posible Un Viejo y Nuevo San Juan.

An Idea of Landscape and An Old and New San Juan are supported by the City Council of La Linea and its Culture Delegation, and could not have been realized without the active collaboration of local, national and international creators, collectives, associations, public and private institutions, companies and people from the Campo de Gibraltar area, from both sides of the border and the Strait.

Both initiatives were born and grew with the aim of generating spaces for meeting, enjoyment and reflection open and without hierarchies, with which to build solidarity and participatory relationships, and create much needed community ties, especially in a context as tense as is the Campo de Gibraltar.

Thank you very much for having participated and collaborated in this project to Digital Practice to Asansull Group. Association for the care of people with intellectual disabilities. Centro la Cara- cola /Centro RGA Madres del 70 / Centro Villa Carmela / Centro RGA Zabal / Centro SEPAD / Centro SED Monte Calpe / Centro SEP El Junquillo; APADIS Asociación para la atención a personas con discapacidad intelectual; FEGADI. Asociación para la atención a personas con discapacidad física y orgánica; Centro Contigo. Center for foster children; Argonautas Project. Support group for adolescents; Nakela Romi Fakali. Gypsy Women’s Group; Group of Gypsy Children and Adolescents; Ecolocaliza. Marine environmental activism; ACES. Altas capacidades del Estrecho; Lo sé y me impota. LTGTBIQ + activism collective; Crochetera linense Association; Cultural Association Reiniciarte and teachers and students of Carlos V.

And especially to Karishma Chugani and Juan Carlos Bracho, Macarena Alés, Raúl González, Montse and Rosi, Raquel Ñeco. Juan Franco, Salud López, Carlos Pérez, Nouha Ben Yebdri, Manuel Antonio Domínguez, Javier Martín, Marta García Cano, Beatriz Pérez, the artistic collective Bobrikova de Carmen, the curator Maria Alejandra Gatti and all those who have made Un Viejo y Nuevo San Juan possible.

wonderfull

Wonderfull
Proyecto para una instalación mutipantalla. 2014…

Una imagen siempre va unida a unas expectativas, tanto del emisor como del receptor. La intención de ambos puede ser provocar, herir, hacernos reir o críticar, parecer banal, sofisticado o naif, sutil, o lanzar  un cañonazo a nuestros ojos y sentidos.

En todos los casos una imagen siempre lleva implícita una reflexión y una intencionalidad, aunque no sea a sabiendas, y muchas de las veces no seamos conscientes de los mensajes que lanzamos, o de la batería de información que estas irradian a nuestro alrededor.

Wonderfull es una celebración apoteósica, una fanfarria, una obertura, una coreografía de pantallas que -siguiendo una partitura visual y sonora- explotan literal y metafóricamente, lanzando al aire millones de expectativas que se desvanecen ante nuestra mirada, y vuelven a estallar.

Wonderfull
Project for a multi-screen installation. 2014…

An image is always linked to some expectations, both of the sender and of the receiver. Its intention may be to provoke, to hurt, to make us laugh or criticise, to appear banal, sophisticated or naïve, subtle, or like a cannon shot to our eyes.

In all cases an image always carries an implicit reflection and intentionality, even if it is not knowingly, and many times we are not aware of the messages we are sending, or of the battery of information they radiate around us.

Wonderfull is an apotheosis celebration, a fanfare, an overture, a choreography of screens that -following a visual and sound score- explode literally and metaphorically, launching into the air millions of expectations that vanish before our gaze, and explode again.

panorana

Astracán. Un proyecto para espacio Rambleta. 2021…

Astracán se planteó, aunque nunca se llegó a realizar, como un proyecto dividido en varias fases. Un trabajo de síntesis a medio camino entre la performance, el site specific y la instalación que se hubiese formalizado y accionado a través de un dibujo mural colaborativo.

Como idea Astracán es una reflexión sobre el hecho artístico y su autoría, sobre qué es dibujar, sobre el significado de las imágenes, y nuestra idea de paisaje abordados desde la abstracción.

1. Astracán se hubiese inaugurarado con una mesa-maqueta como único elemento expositivo. Sobre ella un plano a lápiz de Rambleta y sus alrededores, un modelo a escala del dibujo mural en su primera fase y un texto explicativo del proyecto.

Astrakhan. A project for Rambleta space. 2021…

Astrakhan was planned, although it was never realised, as a project divided into several phases. A work of synthesis halfway between performance, site specific and installation that would have been formalised and activated through a collaborative mural drawing.

As an idea, Astrakhan is a reflection on the artistic act and its authorship, on what it is to draw, on the meaning of images, and on our idea of landscape approached from abstraction.

1. Astrakhan would have been inaugurated with a table-model as the only exhibition element. On it a pencil map of Rambleta and its surroundings, a scale model of the mural drawing in its first phase and a text explaining the project.

2. Durante los diez días siguientes se habría llevado a cabo una acción lenta y meditada abierta al público: el frottage de todas las paredes y las columnas de la sala. Un gesto sencillo ejectuado con barras de pastel rojo, verde y azul; los tres colores básicos luz. Tres colores (RGB) cuyas infinitas combinaciones dan como resultado cualquier imagen proyectada.

A modo de catas arqueológicas esta simple operación hubiese hecho visible la textura de la pared, su memoria intangible, las huellas ocultas que otros artistas y otras actividades han dejado grabadas en su superficie. Un mapa cartográfico a escala real y una suerte de paisaje en el que perderse, donde podremos ver tanto como estemos dispuestos a dar. Un panorama que irá del más pequeño accidente topográfico hasta y hacia lo abstracto, lo metafórico y la proyección mental de la mirada.

3. En la sala ya intervenida -y transformada en una suerte de escenografía con las paredes funcionando tanto de fondo como de telón- se hubiese programado el taller Métodos y procesos. Una nueva acción performática con diferentes actores y espectadores.

4. Un gran lienzo en blanco. En eso paradójicamente se transformaría Astracán. Pues durante todo el tiempo que la exposición hubiese permecido abierta sus paredes serían un espacio donde el visitante su podría haber expresado libremente, desdibujando con sus manos mi trabajo, sumando a esas huellas recuperadas y a mi labor nuevas capas, otros gestos, dibujos o palabras; un nuevo paisaje de imágenes, tiempos, acciones e intenciones.

2. During the following ten days, a slow and meditated action open to the public would have been carried out: the frottage of all the walls and columns of the room. A simple gesture carried out with bars of red, green and blue pastel; the three basic light colours. Three colours (RGB) whose infinite combinations result in any projected image.

In the manner of archaeological tastings, this simple operation would have made visible the texture of the wall, its intangible memory, the hidden traces that other artists and other activities have left engraved on its surface. A cartographic map on a real scale and a sort of landscape in which to lose oneself, where we can see as much as we are willing to give. A panorama that will go from the smallest topographical accident to and towards the abstract, the metaphorical and the mental projection of the gaze.

3. In the room already intervened – and transformed into a sort of stage set with the walls acting as both backdrop and curtain – the workshop Methods and Processes would have been programmed. A new performative action with different actors and spectators.

4. A large blank canvas. Paradoxically, this is what Astrakhan would become. For during all the time that the exhibition would have been open, its walls would have been a space where the visitor could have expressed himself freely, blurring my work with his hands, adding new layers, other gestures, drawings or words to those recovered traces and to my work; a new landscape of images, times, actions and intentions.

5. Como epílogo de la exposición la conferencia El paisaje porque sí vendría a cerrar las actividades programadas en la sala.

6. Realizado también por mí, la última fase del proyecto hubiese consistido en el repintado de las paredes para volverlas a su blanco original. Con esta última acción el dibujo no hubiese desaparecido, sino que se habría vuelto invisible, quedando oculto y latente para siempre. Este proceso como todos los anteriores también se habría abierto al público.

En resumen Astracán y todas sus acciones reflexionan sobre el dibujar como actitud -hacerlo bien o hacerlo mal-, sobre la experiencia artística como acto performático; sobre la exposición como un acontecimiento de exploración y expectativas, donde encontrarse, compartir y dejarse llevar. En definitiva una experiencia que nos invita a posicionarnos como espectadores o hacedores, y en el que la autoría se cuestiona y se diluye en el propio desarrollo del proyecto.

5. As an epilogue to the exhibition, the conference The Landscape in Itseflt would close the activities programmed in the hall.

6. Also carried out by me, the last phase of the project would have consisted of repainting the walls to return them to their original white. With this last action the drawing would not have disappeared, but would have become invisible, remaining hidden and latent forever. This process, like all the previous ones, would also have been open to the public.

In short, Astrakhan and all its actions reflect on drawing as an attitude – to do it well or to do it badly – on the artistic experience as a performative act; on the exhibition as an event of exploration and expectations, where to meet, share and let oneself go. In short, an experience that invites us to position ourselves as spectators or makers, and in which authorship is questioned and diluted in the very development of the project.

F.I.N. / en desarrollo / developing

F.I.N
Proyecto para una escultura musical. 2022…

Una suerte de gran panel de control de 200 x 200 cm compuesto por 88 módulos de metacrilato opalado de 22 x 16 x 1 cm que conectados individualemente a un controlador Arduino/DMX parecerán pensar al ritmo de la música de las máquinas, viajando por todo el espectro de color.

Para su programación se utilizará la partitura de Nuevo Oráculo y las secuencia de las imágenes que ilustran Oráculo, que ser irán leyendo y traduciendo a luz y sonido, acompasadas en una secuencia sin principio ni final.

F.I.N
Projecto for a musical sculpture. 2022…

A sort of large control panel measuring 200 x 200 cm made up of 88 opal methacrylate modules measuring 22 x 16 x 1 cm which, individually connected to an Arduino/DMX controller, will seem to think to the rhythm of the music of the machines, travelling through the entire colour spectrum.

The New Oracle score and the sequence of images that illustrate Oracle will be used for programming, which will be read and translated into light and sound, in a sequence with no beginning and no end.

la distancia más corta entre dos puntos es un salto en el tiempo/ en proceso / processing

a distancia más corta entre dos puntos es un salto en el tiempo. Galería Ángeles Baños. Badajoz. 2022

“La observación directa, que implica descubrir lo que sucede segundo a segundo, es en realidad una actividad increíblemente sintética (en su acepción de mezcla o combinación de elementos), y deriva de una compleja diversidad de hebras: de la suma de los recuerdos del pasado y de las percepciones del presente, de tiempos y lugares, de la historia colectiva y la historia particular…” El árbol, John Fowles.

“La distancia más corta entre dos puntos es un salto en el tiempo” es un proyecto específico -una gran instalacíón- pensado por Juan Carlos Bracho para el espacio de la Galería Ángeles Baños, en esta, su tercera exposición individual en nuestra galería. El punto de partida de este ejercicio es de nuevo su propio trabajo, en particular esa idea de narración circular de ida y vuelta desplegada en la planta primera de la Sala Alcalá 31 como parte de la exposición «Arquitectura y “Yo”», Madrid noviembre de 2019.

The Shortest Distance Between Two Points is a Leap in Time. Ángeles Baños Gallery. Badajoz. 2022

Ordinary experience, from waking second to second, is in fact highly synthetic (in the sense of combinative or constructive), and made of a complexity of strands, past memories and present perceptions, times and places, private and public history….” The Tree, John Fowles.

“The Shortest Distance Between Two Points is a Leap in Time”, is a project designed specifically for the space of Galería Ángeles Baños. The starting point of this exercise is once again Bracho’s own work, and in particular this idea of circular narration, looping from here to there and back again, just as it was laid out on the first floor of Sala Alcalá 31 as part of the exhibition “Arquitectura y ‘Yo’” [Architecture and “I”] (Madrid, November 2019).

Si en aquella ocasión las obras y los documentos seguían la estela de tiempo dibujada por la pieza mural «Yo también lo haría», en esta ocasión es una fina línea de horizonte -una mínima intervención trazada con carbón directamente sobre el perímetro de la galería- la que señala el recorrido.

Un horizonte es frontera, límite, un más allá íntimamente relacionado con lo otro, lo diferente, con el viaje, el sueño y la utopía; lo imaginado, lo visible -aunque sea de lejos- y lo invisible. Y qué mejor espacio que ese lugar para desplegar una serie de proyectos que se quedaron en el camino, tomaron vías alternativas, no llegaron a cobrar forma física, están en ello, o cuyos procesos son un continuo cambio en el tiempo.

Formalizar esas ideas a través de dibujos, textos, maquetas e intervenciones en el propio espacio de la galería -que se convierte de alguna forma en un laboratorio donde algunas de ellas son testadas por primera vez- es ponerlas en relación, en diálogo, y evidenciar que una obra/idea existe en muchas realidades paralelas y complementarias que se suman, se solapan y nunca son excluyentes; desde esa “primera revelación”, que queda casi siempre anotada en sus cuadernos de trabajo, hasta el momento y el tiempo de su ejecución, su presentación y lo que viene después.

If on that occasion the work and documents followed the wake of time as delineated by the mural piece “Yo también lo haría” [I Would Do It Too], on this occasion it is a narrow horizon line—a minimal intervention traced out in charcoal directly along the gallery’s perimeter—that marks out the route. A horizon is a frontier, a limit, something beyond which is intimately related to the other, to what is different; it is related to the journey, dreams and utopia, to the imaginary, to what is visible—however far away—and invisible. And what better space than that site from where to unfold a series of projects that were left unfinished along the way, took alternative paths, never ended up taking physical form, are still pending, or whose processes are continually changing over time?

To formalise these ideas through drawings, texts, maquettes and interventions in the gallery space itself—which in a certain way is converted into a laboratory, where some are tested for the first time—is to relate them to each other, to put them into dialogue, making clear that a work/idea exists in many accumulative, overlaying parallel and complementary realities, one never excluding the other—from this “first revelation”, which is almost always annotated in his notebooks, to the moment and time of its execution, presentation and whatever comes after.

un nuevo mundo en un paraíso perfecto

Un nuevo mundo en un paraíso imperfecto
Proyecto para una videoanimación. 2020…
En desarollo

“En el verano de 2020 crucé lentamente el Estrecho de Gibraltar, dejando trás de mí una fina estela de grafito sobre el mar, polvo sobre agua. Mientras yo avanzaba, el mineral desaparecía lentamente. ¿Sería movido ad aeternum por esas corrientes submarinas invisibles, o se hundiría hasta depositarse para siempre sobre el fondo marino, testigo mudo de una acción de la que no quedaría rastro alguno?

A new world in an imperfect paradise
Project for a video animation. 2020…

Develloping

«In the summer of 2020 I slowly crossed the Strait of Gibraltar, leaving behind me a thin trail of graphite on the sea, dust on water.
a thin trail of graphite on the sea, dust on water. As I advanced, the mineral slowly disappeared. Would it be moved ad aeternum by those invisible underwater currents, or would it sink to settle forever on the seabed, a mute witness to an action of which no trace would remain?»

Un nuevo mundo en un paraíso imperfecto* consta de una doble pantalla/proyección. En cada una de ellas se asiste a una acción que he decidido abordar desde el dibujo animado.

Unir mediante una línea de dibujo/grafito las dos orillas del Estrecho de Gibraltar -que sería el camino más corto entre dos puntos- se convierte así en un nuevo horizonte que define inesperadamente otra idea de frontera. Al mismo tiempo se defife el limes que separa lo de dentro y lo de fuera, las tierras cultivadas y las de los bárbaros, el hortus conclusus y la selva selvaggia, En definitiva esa acción se convierte en un trazo capaz de unir ambos espacios físicos y simbólicos, Europa y África, el Primer Mundo y los otros mundos.

Las dos pantallas muestrarán una misma escena desde cada una de esas dos orillas: un personaje -alter ego animado de nu mismo- se sube a una embarcación, y mientras el viento lo empuja hacia el otro lado, va dejando caer polvo de grafito desde la popa, con la intención de trazar sobre el agua una línea que sin remedio cae al fondo, ya por completo desdibujada…

La acción, eminentemente alegórica, nos habla de la imposibilidad última de trazar marcas sobre la superficie/mapa de una Tierra compartida, al tiempo que una serie de voces en off dialogan en castellano, inglés, francés y arabe (lenguas todas ellas que se entrecruzan y se mezclan en ese lugar de tránsito desde la antiguedad). Así el espectador, sumergido en tal viaje de ida y vuelta, y esa multiplicidad de personajes -interpretados todos por mi- deberá atribuir a esos sujetos una encarnación, o proyectarse en cualquiera de ellos. Juntos, actores y espectadores, reconstruirán el periplo desde múltiples puntos de vista: sus causas y consecuencias, sus derivas, amén de otras historias paralelas que surgirán revelándose en el camino.

 

A New World in an Imperfect Paradise* consists of a double screen/projection. In each of them an action takes place, which I have decided to approach from the point of view of animated drawing.

Joining by means of a drawing/graphite line the two shores of the Strait of Gibraltar – which would be the shortest way between two points – thus becomes a new horizon that unexpectedly defines another idea of frontier. At the same time, the boundary that separates the inside and the outside, the cultivated lands and those of the barbarians, the hortus conclusus and the jungle jungle, is defined. In short, this action becomes a line capable of uniting both physical and symbolic spaces, Europe and Africa, the First World and the other worlds.

The two screens will show the same scene from each of these two shores: a character – the animated alter ego of nu himself – gets into a boat, and while the wind pushes him towards the other side, he drops graphite dust from the stern, with the intention of tracing a line on the water that falls hopelessly to the bottom, now completely blurred?

The action, eminently allegorical, speaks to us of the ultimate impossibility of tracing marks on the surface/map of a shared Earth, while a series of voice-overs dialogue in Spanish, English, French and Arabic (all of them languages that intertwine and mix in this place of transit since antiquity). Thus the spectator, immersed in this journey back and forth, and this multiplicity of characters – all played by me – will have to attribute an incarnation to these subjects, or project himself into any of them. Together, actors and spectators will reconstruct the journey from multiple points of view: its causes and consequences, its drifts, as well as other parallel stories that will emerge and reveal themselves along the way.

 

El vídeo aúna la sencillez de un dibujo al borde de lo esquemático (véase el storyboard adjunto) con la de la propia acción, tan sucinta: mientras en una pantalla la barca se aleja de la tierra hasta desaparecer, en la otra, simétricamente, va creciendo desde un punto en el horizonte hasta el desembarco. Pero a esta animación de apariencia tan sencilla se le añade una intensa carga emocional con esas voces fuera del plano que juegan y dialogan entre ellas, sin alcanzar ningún desenlace narrativo, sumando capas de significado que se cruzan y entrelazan

Un nuevo mundo en un paraíso imperfecto se plantea, pues, como una exploración de toda frontera entre lo real y lo imaginario. Relato múltiple, contado a partir de una serie de narraciones que discurren paralelas a una secuencia lineal y simétrica. Allí el espectador se ve invitado a participar preguntándose dónde se encuentra él mismo ante dicho relato, y por su ubicación en este cruce rodeado de reflejos, historias individuales y sueños colectivos.

En definitiva, Un nuevo mundo en un paraíso imperfecto reflexiona sobre la idea de horizonte/frontera como espacio físico y mental; un lugar siempre presente pero que no alcanzaremos jamás, mientras que se dibuja como límite o un más allá íntimamente relacionado con el otro, lo diferente, con el viaje, el sueño y la utopía.

 

The video combines the simplicity of a drawing bordering on the schematic (see the attached storyboard) with that of the action itself, so succinct: while on one screen the boat moves away from the land until it disappears, on the other, symmetrically, it grows from a point on the horizon to the landing. But to this apparently simple animation is added an intense emotional charge with those voices outside the shot that play and dialogue with each other, without reaching any narrative denouement, adding layers of meaning that cross and intertwine.

A New World in an Imperfect Paradise is thus an exploration of every frontier between the real and the imaginary. It is a multiple story, told through a series of narratives that run parallel to a linear and symmetrical sequence. There, the spectator is invited to participate by asking himself where he finds himself in this story, and where he stands at this crossroads surrounded by reflections, individual stories and collective dreams.

In short, A New World in an Imperfect Paradise reflects on the idea of the horizon/border as a physical and mental space; a place that is always present but which we will never reach, while it is drawn as a limit or a beyond intimately related to the other, the different, to the journey, the dream and utopia.

 

great expectations

Great Expectations.
Proyecto para una escultura y un dibujo mural. 2020…

Mi labor se había caracterizado durante años por la repetición obsesiva de elementos gráficos mínimos. Rayas, puntos, trazos, signos, marcas, tachaduras, señales. Caligrafías que generaban unas obras sencillas pero no simples.

En mis últimas series de dibujos o interverciones el gesto -fundamental y característico en mis trabajos anteriores- casi ha desaparecido por completo, y las obras se presentan en estado crudo, aparentemente frías y distantes; ausencia de toda gestualidad en favor del dibujo como acción y herramienta cartográfíca. El resultado de esta simplificación -de esta reducción que se puede apreciar tanto en lo procesual como en la factura, pero que no le resta ni un ápice de intensidad a mis propuestas- son una serie de trabajos más apegados a lo físico, a lo concreto, a lo inmediato, y al mismo tiempo tremendamente abstractos y sugerentes.

Great Expectations sigue la estela de las Geometrías para…: un conjunto de frottages con forma de polígonos regulares e irregulares dedicados cada uno de ellos a un personaje histórico “radicalmente moderno” para la época en la que vivió. Parafraseando el dicho «Si las paredes hablasen…» estas formas rotundas, y en ocasiones un tanto extravagantes, desvelan con una mirada más atenta y reposada sobre esas superficies aparentemente neutras relatos encubiertos, acontecimientos, incidentes, sucesos ignorados o velados, secretos que descubrir. 

Great Expectations.
Project for a sculpture and a wall drawing. 2020…

For years my work had been characterised by the obsessive repetition of minimal graphic elements. Scratches, dots, strokes, signs, marks, scratches, signals. Calligraphies that generated simple but not simple works.

In my latest series of drawings or interversions, the gesture – fundamental and characteristic in my previous works – has almost completely disappeared, and the works are presented in a raw state, apparently cold and distant; the absence of all gestures in favour of drawing as an action and cartographic tool. The result of this simplification – of this reduction that can be seen both in the process and in the workmanship, but which does not detract one iota of intensity from my proposals – is a series of works that are more attached to the physical, to the concrete, to the immediate, and at the same time tremendously abstract and suggestive.

Great Expectations follows in the wake of Geometrías para…: a set of frottages in the form of regular and irregular polygons, each one dedicated to a historical figure who was «radically modern» for the time in which he lived. To paraphrase the saying «If walls could talk…», these emphatic and sometimes somewhat extravagant shapes reveal, with a more attentive and relaxed gaze on these apparently neutral surfaces, hidden stories, events, incidents, ignored or veiled events, secrets to be uncovered.

Great Expectations sintetiza las experiencias de estas Geometrías citadas y va un paso más allá, pues es un proyecto que se sitúa al mismo tiempo entre la escultura, la pintura, el dibujo mural y la instalación, sumando al desarrollo de la obra el devenir tanto del propio artista -yo-, como de la propietaria de la obra.

Great Expectations es un dibujo mural y una escultura sin forma ni formato definido. Realizado al igual que las Geometrías con la técnica del frottage, el material utilizado en esta ocasión es una serie de ceras multicolor de cinco combinaciones cromáticas diferentes, que en su conjunto suman 25 unidades, cinco por cada modelo. Se trata de pequeños bloques compactos a modo de ladrillos con una dimensión por unidad de 2 x 1,5 x 4 cm.

Partiendo de una primera intervención definida en el contrato de la obra, sus posibles reinterpretaciones, encarnaciones o formalizaciones, dependerán del deseo de su propietaria, del nuevo emplazamiento y del material disponible, ya que el número de futuras versiones estará sujeto al material fungible de partida, y sus posibles combinaciones se reducirán a medida que se agoten las ceras en cada nueva intervención.

El proyecto podrá así existir y coexistir tanto físicamente como en potencia; como idea, como dibujo y también como escultura. Esta última un volumen tridimensional que será reflejo y negativo del dibujo mural o viceversa. Definida su forma por la suma y la disposición de las ceras a modo de construcción infantil, está ira menguando al transformarse en dibujo, al mismo tiempo que su desgaste generará nuevas geometrías tridimensionales a medida que el proyecto evolucione.

Great Expectations será un dibujo de combinaciones cromáticas y formas ilimitadas -pero finitas al fin y al cabo- que en definitiva se alimentará de su opuesto complementario, de su otra mitad, desmaterializándola.

Great Expectations synthesises the experiences of these aforementioned Geometries and goes a step further, as it is a project that is situated at the same time between sculpture, painting, mural drawing and installation, adding to the development of the work the evolution of both the artist – me – and the owner of the work.

Great Expectations is a wall drawing and a sculpture with no defined form or format. Like the Geometries, it is made using the frottage technique, the material used on this occasion is a series of multicoloured waxes in five different chromatic combinations, which together make 25 units, five for each model. They are small compact brick-like blocks with a unit size of 2 x 1.5 x 4 cm.

Starting from a first intervention defined in the contract for the work, its possible reinterpretations, incarnations or formalisations will depend on the desire of its owner, the new site and the available material, as the number of future versions will be subject to the initial fungible material, and their possible combinations will be reduced as the waxes are used up in each new intervention.

The project will thus be able to exist and coexist both physically and potentially; as an idea, as a drawing and also as a sculpture. The latter a three-dimensional volume that will be a reflection and negative of the mural drawing or vice versa. Defined in form by the sum and arrangement of the crayons in the manner of a child’s construction, it will diminish as it becomes a drawing, while at the same time its wear and tear will generate new three-dimensional geometries as the project evolves.

Great Expectations will be a drawing of chromatic combinations and unlimited – but ultimately finite – forms that will ultimately feed off its complementary opposite, its other half, dematerialising it.

the vogaye of life / en proceso / in process

The Voyage of Life.
Un idea de paisaje. Museo Cruz Herrera. 2023

The Voyage of Life toma su título prestado de una serie de pinturas creadas por Thomas Cole en 1842. En ellas el artista realiza una alegoría de las cuatro etapas de la vida humana (infancia, juventud, madurez y vejez) a partir de la representación de un viaje en bote por un río que atraviesa el paisaje americano de mediados del siglo XIX.

Precisamente un viaje es lo que plantea esta exposición. El recorrido por dos décadas por mis trabajos en vídeo con el paisaje como principal protagonista; tema que Cruz Herrera no trató de manera consciente ni autónoma en cuanto a género, pero por el que sí se dejó seducir en las series inspiradas por sus viajes a Marruecos, estampas exóticas con personajes idealizados, muy a la moda de la época.

The Voyage of Life.
An idea of landscape. Cruz Herrera Museum. 2023

The Voyage of Life borrows its title from a series of paintings created by Thomas Cole in 1842. In them the artist makes an allegory of the four stages of human life (childhood, youth, maturity and old age) from the representation of a boat trip on a river that crosses the American landscape of the mid-nineteenth century.

It is precisely a journey that is the subject of this exhibition. A journey through two decades of my video works with landscape as the main protagonist; a theme that Cruz Herrera did not deal with consciously or autonomously in terms of genre, but by which he did allow himself to be seduced in the series inspired by his trips to Morocco, exotic prints with idealized characters, very fashionable at the time.

Mis obras videográficas recorren intermitente toda mi producción, se insertan en proyectos más complejos -entendidos como grandes ciclos- o se presentan como piezas autónomas, aunque siempre en diálogo con el resto de su trabajo.

EL visionado en conjunto de esta selección de obras nos ofrece la posibilidad de adentrarnos en un universo visual y descubrir cómo ese “paisaje” es abordado en principio en cuanto abstracción y metáfora; mientras sucesivamente en los distintos trabajos se nos induce al sueño de un viaje iniciático por las extensas llanuras de Alberta; nuestra mirada se refleja en la de otros gracias a internet; vemos atardecer en un desierto en bucle sobre sí mismo -una imagen icónica y reconocible por todos-; para finalmente adentrarnos misteriosamente en un jardín palaciego: un paisaje instrumentalizado, escenografía donde se mezcla la fantasía, el ocio y el poder.

My video works intermittently run through my entire production, they are inserted in more complex projects -understood as large cycles- or they are presented as autonomous pieces, although always in dialogue with the rest of my work.

Viewing this selection of works as a whole offers us the possibility of entering a visual universe and discovering how this «landscape» is approached in principle as an abstraction and metaphor; while successively in the different works we are induced into the dream of an initiatory journey through the vast plains of Alberta; our gaze is reflected in that of others thanks to the internet; we see sunset in a desert looping on itself – an iconic image recognizable by all -; to finally enter mysteriously into a palatial garden: an instrumentalized landscape, scenography where fantasy, leisure and power are mixed.

come to dust / en proceso / in process

Come to dust. Una idea de paisaje. Galería Municipal Manolo Alés. La Línea, Cadiz. 2023

Frotar una barra de pastel sobre una pared, este es el resultado de este dibujo mural colaborativo. Un ejercicio de recuperación de la memoria y las huellas que otros artistas -y otras actividades- dejaron grabadas en las paredes de la Galería Municipal Manolo Alés durante décadas; una labor que, como la del arqueólogo, cobra todo su significado apropiándose del trabajo de otros.

Esta acción, intensa y obsesiva, es una suerte de mapa, cartografía a escala 1/1 de un espacio que se recrea en el más pequeño detalle, de lo micro a lo macro. Una fina piel aterciopelada que nos revela una orografía invisible a simple vista, que nos muestra y nos cuenta la historia del espacio del que se apropia, el paso del tiempo, y todos los acontecimientos ocultos bajo capas de pintura que aparentemente lo han borrado todo.

Paradójicamente, esta sencilla acción también nos ofrece un paisaje en el que perderse, como si estuviésemos sumergidos dentro de un gran dibujo sin escala, sin principio y sin final.

 

Come to dust. An idea of landscape. Manolo Alés Municipal Gallery. La Línea, Cadiz. 2023

Rubbing a pastel bar on a wall, this is the result of this collaborative mural drawing. An exercise of recovery of the memory and the traces that other artists -and other activities- left engraved on the walls of the Galería Municipal Manolo Alés for decades; a work that, like that of the archaeologist, takes on all its meaning by appropriating the work of others.

This action, intense and obsessive, is a sort of map, cartography at 1/1 scale of a space that is recreated in the smallest detail, from the micro to the macro. A fine velvety skin that reveals an orography invisible to the naked eye, that shows and tells us the history of the space it appropriates, the passage of time, and all the events hidden under layers of paint that have apparently erased everything.

Paradoxically, this simple action also offers us a landscape in which to get lost, as if we were immersed inside a large drawing without scale, without beginning and without end.

 

LCome to Dust se inauguró con la sala “vacía”, es decir, tan solo con la intervención mural y un texto sobre el propio dibujo manuscrito sobre la pared. Durante la siguientes semanas en la sala, convertida en una escenografía mutante, en laboratorio de creacion, se desarrollaron y presentaron una serie de proyectos invitados. Artistas y colaboradores que juntos reflexionaron sobre su particular acercamiento a esa idea de paisaje que se les propuso como punto de partida

Come to Dust was inaugurated with the room “empty”, that is, with only the mural intervention and a text on the drawing itself handwritten on the wall. During the following weeks, a series of guest projects were developed and presented in the room, which had been turned into a mutant scenography, a laboratory of creation. Artists and collaborators who together reflected on their particular approach to the idea of landscape that was proposed to them as a starting point.

El resultado de estos ejercicios y su memoria documental -ya fuese en formato audio, vídeo, textual o objetual- rotó semanalmente en la propia sala, en las vitrinas de la galería y en nuestro muro, donde se acumularon semana a semana pequeños restos de cada proyecto.

Con el mobiliario original de los años 70 de la Casa de la Cultura -pubs, mesas y sillones que fueron utilizados para crear nuevos espacios escénicos y de trabajo- se diseño una zona de lectura y consulta con una selección de mi biblioteca personal

The results of these exercises and their documentary memory -whether in audio, video, textual or objectual format- rotated weekly in the room itself, in the gallery’s showcases and on our wall, where small remnants of each project accumulated week by week.

With the original furniture from the 70’s of the Casa de la Cultura -pubs, tables and armchairs that were used to create new scenic and work spaces- a reading and consultation area was designed with a selection from my personal library.

churrete I/II

Churrete I/II. Dibujos sobre papel intervenido. 100 x 70 cm. 2019

Para realizar esta pareja de dibujos recuperé otro de mis proyectos no realizados; una idea que a su vez era una nueva versión de mi  primer proyecto en solitario. Estos dibujos suponen una intervención a menor escala, al retirar delicadamente del dibujo duplicado la primera capa de celulosa, dejando al descubierto la tripa del papel.

Churrete I/II.  Drawing on tapped paper. 100 x 70 cm. 2019

To make this couple of drawings  I recovered another
of your unrealized projects; an idea which was, in turn, a new version of my first solo project. These drawing are a small-scale intervention by delicately removing from the duplicated drawing the outer layer of cellulose, leaving the entrails of the paper bare.

jóvenes ocultos

Jóvenes ocultos
Proyecto para una intervención en la Galería Ángeles Baños. 2025…

La ligereza de los materiales me atrae y me gusta. Es evidente que al cuerpo humano no le gustan los materiales rotundos, como el hormigón. Pero eso no quiere decir que la piedra no pueda ser maravillosa. Si la aligeramos, nuestra relación con ella será más pacífica. Esta idea también se respira en mi país. Nuestras casas de madera aligeran cualquier madera. Se trata de acercarse a los materiales, de establecer con ellos una relación epidérmica… La mitad de la arquitectura moderna son cajas: grandes y pequeñas. Si lo que la gente busca es una escultura, una caja puede llegar a serlo. Pero yo no quiero hacer esculturas en las ciudades. Me interesa más hacer agujeros: un patio, una terraza o un porche. Los agujeros invitan a entrar.” 

Kengo Kuma. Arquitecto

Jóvenes ocultos esta compuesto por una serie de intervenciones murales desplegadas en las paredes de la galería. Una conjunto de círculos de igual tamaño, pero diferente color, distribuidos en intervalos obtenidos al dividir y multiplicar el diámetro de su circunferencia, 285cm.

Como metáfora de las relaciones humanas esos espacios, separaciones e intersecciones van dibujando una red de lazos afectivos generando nuevas formas geométricas y redibujando al mismo tiempo la arquitectura de la galería; un espacio, o la percepción que de él tenemos, que por momentos parecerá hundirse para después volver a emerger.

Cada intervención estará ejecutada por la persona a la que está dedicada la obra.

Hidden youth
Project for an intervention at the Ángeles Baños Gallery. 2025…

The lightness of the materials attracts me and I like it. It is obvious that the human body does not like rotund materials, such as concrete. But that doesn’t mean that stone can’t be wonderful. If we lighten it, our relationship with it will be more peaceful. This idea is also in my country. Our wooden houses lighten any wood. It is about approaching materials, establishing an epidermal relationship with them…. Half of modern architecture is boxes: big and small. If what people are looking for is a sculpture, a box can become one. But I don’t want to make sculptures in cities. I’m more interested in making holes: a patio, a terrace or a porch. Holes invite you in.»

Kengo Kuma. Architect

Hidden Youth is composed of a series of mural interventions displayed on the walls of the gallery. A set of circles of equal size, but different color, distributed in intervals obtained by dividing and multiplying the diameter of its circumference, 285cm.

As a metaphor for human relationships, these spaces, separations and intersections are drawing a network of emotional ties generating new geometric shapes and redrawing at the same time the architecture of the gallery; a space, or the perception we have of it, which at times will seem to sink and then re-emerge.

Each intervention will be executed by the person to whom the work is dedicated.

una idea de paisaje / en proceso / in process

Una idea de paisaje
La Línea, Cádiz. Marzo/junio 2022
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El paisaje es una proyección emocional, existe y se construye dentro del espectador; pero es también el espejo donde nos miramos, la imagen en la que nos vemos reflejados.

Observar y observarnos con atención supone por tanto ver, reconocer y descubrir esos “paisajes” que nos definen y se extienden alrededor. Es un proceso que nos hace más sensibles y responsables con nosotros mismos, con los otros y con nuestro entorno.

El paisaje es privado, o al menos lo es la idea que cada uno de nosotros imaginamos y construimos, pero al mismo tiempo es un reflejo de nuestra sociedad. Puede ser un ente abstracto, pura metáfora, o una estampa real y reconocible. Un espacio pequeño e íntimo, o un lugar estremecedor sobre el que volcamos nuestros recuerdos, percepciones y vivencias: nuestra habitación, nuestro barrio, la ciudad, el bosque, las montañas, la mar, las ensoñaciones, el más allá… 

Tradicionalmente, el paisaje ha sido entendido como un lugar indómito o salvaje: selvas, desiertos, océanos, cumbres y valles, escenarios naturales inmensos y sublimes que nos conectan con el animal que llevamos dentro. Sin embargo, esa “idea” de paisaje se ha ampliado y diversificado en nuestro mundo, donde resulta habitual hablar de paisaje urbano, distópico o postnatural, así como de paisajes de la memoria, sonoros, literarios, e incluso más recientemente de los paisajes virtuales que nos envuelven. 

An idea of landscape
La Línea, Cádiz. March/June
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The landscape is an emotional projection, it exists and is constructed within the spectator; but it is also the mirror in which we look at ourselves, the image in which we see ourselves reflected.

Observing and observing ourselves with attention therefore means seeing, recognizing and discovering those «landscapes» that define us and extend around us. It is a process that makes us more sensitive and responsible with ourselves, with others and with our environment.

The landscape is private, or at least it is the idea that each of us imagine and build, but at the same time it is a reflection of our society. It can be an abstract entity, pure metaphor, or a real and recognizable image. A small and intimate space, or a thrilling place on which we pour our memories, perceptions and experiences: our room, our neighborhood, the city, the forest, the mountains, the sea, the dreams, the beyond…

Traditionally, landscape has been understood as an untamed or wild place: jungles, deserts, oceans, peaks and valleys, immense and sublime natural settings that connect us with the animal within us. However, this «idea» of landscape has expanded and diversified in our world, where it is common to speak of urban, dystopian or post-natural landscapes, as well as landscapes of memory, soundscapes, literary landscapes, and even more recently of the virtual landscapes that surround us.

Dirigido por Macarena Alés, comisariado por Juan Carlos Bracho y coordinado por Beli Lara y Raúl González, Una Idea de Paisaje se planteó como un proyecto desde el que abordar esa “idea” a través de las más variadas disciplinas y materias: artes plásticas, artesanía, arquitectura, teatro, el sonido, la palabra o el baile, entre otros. El resultado de estos ejercicios se materializó y desarrolló con propuestas de naturaleza clásica e incluso académica, junto a otras actividades más experimentales, ofreciendo un panorama amplio y sin fronteras –ni conceptuales ni estéticas- sobre un género que intermitentemente ha recorrido la historia del arte y el pensamiento. 

Una Idea de Paisaje se construyó como un cuerpo de trabajo colaborativo y sin jerarquías definidas. Diferentes voces y sensibilidades dibujaron en el proceso un arcoíris plural, un paraguas de haceres y perfiles que fueron de lo profesional a lo amateur: artistas autodidactas, estudiantes, noveles, profesionales de media carrera o figuras consagradas; individualidades, colectivos y asociaciones… Todos sumaban para hacer cómplices a quien se animara a participar.

Muesta de esta actitud es la portada de esta publicación, donde se han utilizado los nombres de pila de los colaboradores y los espacios donde se han desarrollado los proyectos para, metafóricamente, poder proyectarnos e identificar con ellos.

Durante trece semanas –siguiendo ese cronograma hemos estructurado también esta publicación- la Galería Municipal Manolo Ales y las calles de La Línea se transformaron en un laboratorio de arte y acción intergeneracional, transversal e inclusivo, para un aprendizaje colectivo donde casi todo fue posible.

Directed by Macarena Alés, curated by Juan Carlos Bracho and coordinated by Beli Lara and Raúl González, Una Idea de Paisaje was conceived as a project from which to approach that «idea» through the most varied disciplines and subjects: visual arts, crafts, architecture, theater, sound, words or dance, among others. The result of these exercises materialized and developed with proposals of a classical and even academic nature, together with other more experimental activities, offering a broad panorama without borders -neither conceptual nor aesthetic- on a genre that has intermittently traversed the history of art and thought.

An Idea of Landscape was built as a collaborative body of work without defined hierarchies. Different voices and sensibilities drew a plural rainbow in the process, an umbrella of activities and profiles that ranged from the professional to the amateur: self-taught artists, students, novices, mid-career professionals or consecrated figures; individuals, collectives and associations… All of them added up to make accomplices of whoever dared to participate.

The cover of this publication shows this attitude, where the first names of the collaborators and the spaces where the projects have been developed have been used to metaphorically project and identify with them.

For thirteen weeks -following this chronogram we have also structured this publication- the Manolo Ales Municipal Gallery and the streets of La Línea were transformed into a laboratory of art and intergenerational action, transversal and inclusive, for a collective learning where almost everything was possible.

coreografía de resistencia / en desarrollo / developing

Coreografía de resistencia
Un proyecto para bailar. 2021…
En proceso

Bailar es como dibujar, no se trata de hacerlo bien o mal, sino simplemente de hacer. Bailar es pensar, pensar es hacer; activar nuestro cuerpo y nuestro pensamiento en un todo.

Coreografía de resistencia, proyecto en colaboración con la coreografa Salud López, se plantea como un trabajo en equipo, sin jerarquías. Un contexto desde el que se cuestionará qué es bailar en el sentido más amplio de la palabra. Un viaje compartido desde lo reflexivo, lo intuitivo, la pulsión, el orden o el caos, lo calculado y metódico o la pura improvisación; todos ellos caminos alternativos o complementarios, pero nunca excluyentes, que se experimentan a la hora de abordar una idea.

Coreografía de resistencia será interpretada por una bailarina profesional y por mi. El resultado final será un diálogo que hará evidentes las particularidades y diferencias de ambos, el esfuerzo de dos cuerpos y sus limitaciones -dadas por nuestra experiencia y nuestras capacidades físicas y mentales- a la hora de enfrentarse a la música y el baile; ya sea a través de movimientos individuales, compartidos, pautados, dirigidos, consensuados, impuestos, forzados o libres.

Coreografía de resistencia tendrá como partitura musical y visual la obra Nueva Oráculo, un Divertimento animado para impresora sampleada e instrumentos de percusión

Choreography of Resistence
A project to dance. 2021…
In process

Dancing is like drawing, it is not about doing it well or badly, but simply about doing. To dance is to think, to think is to do, to activate our body and our thinking as a whole.

Choreography of Resistance, a project in collaboration with the coregraher Salud López, is conceived as a team work, without hierarchies. A context from which we will question what it is to dance in the broadest sense of the word. A shared journey from the reflexive, the intuitive, the impulse, order or chaos, the calculated and methodical or pure improvisation; all of them alternative or complementary paths, but never exclusive, that are experienced when approaching an idea.

Choreography of Resistance will be performed by a professional dancer and myself. The final result will be a dialogue that will make evident the particularities and differences of both, the effort of two bodies and their limitations -given by our experience and our physical and mental capacities- when facing music and dance; whether through individual, shared, patterned, directed, consensual, imposed, forced or free movements.

Choreography of Resistance will have as its visual andmusical score the piece of work  New Oracle, a animatad Divertimento for home printer and percussion instruments.

nueva música / en proceso / in process

Nueva música. Una partitura musical. Proyecto producido gracias al apoyo de VEGAP. 2020…

Uno de los leitmotive que animan mi trabajo es la reflexión sobre el error como parte de todo proceso creativo. Mi labor, ligada a procesos automatizados y repetitivos -y a un vocabulario mínimo de recursos gráficos y cromáticos- se abre con Nueva música a todo el espectro multicolor y a la experimentación musical.

Nueva música es el título de una pieza sonora. Una obra que surge como desarrollo y evolución de una serie de proyectos en torno al color y el monocromo; entendidos ambos como campos y espacios metales, como paisajes sobre los que proyectar nuestras emociones y nuestra más insondable conciencia.

La partitura de Nueva música se compondrá traduciendo con diferentes escalas musicales los errores de impresión de Lo quiero todo. Un grupo de 100 monocromos multipáginas -divididos en cinco series cromáticas- elaborados a partir de 88 impresiones A4 domésticas.

Los 100 monocromos digitales que son el punto de partida de Nueva música –y sus cientos de fallos de impresión- previamente ya han sido traducidos e impresos con un proceso analógico en la serie de grabados Otra vida futura I: un conjunto de 100 grabados de 50 x 50 cm que reproducen las matrices de dichos multipáginas, sus colores y la posición exacta de los errores de cada pieza.

Nueva música vendrá a ser una nueva relectura de esas matrices estampadas, que vistas en su conjunto sugieren una especie de código oculto. Una suerte de mensaje encriptado que será traducido finalmente al lenguaje musical. Para su composición hemos investigado en las asociaciones sinestésicas de los colores con las sensaciones tonales y tímbricas, y hemos utilizado los propios sonidos de la impresora para generar las escalas musicales, y las cuadriculas para ordenar las notas.

Nueva música contará con el apoyo profesional de la profesora de la ESMUC (Escuela Superior de Música de Cataluña) y Doctora en percepción auditiva, musicóloga y flautista Sofía Martínez, con el músico electrónico LUX (Jaime Martín), con Maria de Grandy, joven compositora de música experimental y primera violinista de la Ostrava New Orquestra, y con Cuantica estudio de diseño Sueco.

Su trabajo y asesoramiento consistirá en la selección de las escalas musicales que se utilizarán para la traducción de los errores, y en la composición y registro de la partitura en formato digital. La obra estará dividida en 5 movimientos -uno por cada escala de color- y el trabajo en el estudio de música consistirá en experimentar con las notas y las escalas tonales, los tiempos, los sonidos, el orden y el caos y la relación entre los diferentes movimientos. 

ayyo / en proceso / in process

AYYO.
En desarrollo. CA2M 09/24_05/25

AYYO será un cajón de sastre, totalmente ordenado, donde condensaré mi experiencia del proyecto Arquitectura y «Yo», la compartida y la de todos tus colaboradores. Dentro de esas mesas se guardarán los restos, los despieces, los fragmentos (el polvo de tus dibujos, las esquirlas de los lápices, la cinta de carrocero hecha bola, las maderas para construir Regreso al hogar, la peana de Todos mis amigos me parecen guapos, el sobrante de los vinilos de corte, las pruebas y la plancha original de Horizon, el velcro enrollado, etc., etc.) en definitiva  el «basurismo», como yo lo llamo, de todas las etapas y todos los procesos de Arquitectura y «Yo». A esto sumaré el material documental de la exposición, los bocetos del proyecto y la cartelería de sala escrita por mi a mano, y reconvertida una vez retirada y encuadernada en libro de artista.

El resultado será un compendio, un resumen de meses de trabajo guardados dentro, y apiladas bajo las dos mesas diseñadas en un principio como display expositivo, y transformadas finalmente en obras de arte. Para su conservación museográfica se cubrirán con dos lonas impermeables blancas cosidas a medida con el acrónimo AYYO estampado.

El resultado de esta última operación serán dos esculturas con ruedas, a modo de maquetas sobredimensionadas de bloques o edificios ciegos, independientes e interdependientes; ya que podrán ser almacenadas y expuestas individualmente o en una sola pieza, cubiertas o como contenedores con todo el material catalogado visible.

Los materiales y los ejercicios que hagamos junto con el departamente de conservación del museo serán el punto de partida para preguntarnos ¿Qué sucede antes, durante y después de una exposición? ¿Cómo son esos procesos, quiénes son sus agentes, qué roles y responsabilidades desenpeñan y asumen cada uno de ellos? ¿Cómo se expone, cuantifican, califican, ordenan, catalogan y difunden los resultados de una exposición ? ¿Es un proceso cerrado ? ¿Qué quéda de todo ello? Obras, experiencias, conocimientos,. materiales, desechos .)) 

“En un futuro que parece cada vez más cercano, y que en algunos aspectos ya está aquí, los patrones y hábitos que dominan la vida individual y social -y el arte es también una esfera y un mundo en el que ope- ramos tanto a nivel particular como colectivo- simplemente no van a funcionar. Tenemos que aceptar que algunos de los elementos fundamentales de nuestro presente -como actuamos, nos comportamos y nos relacionamos con el mundo- simplemente no va a ser compatibles con los nuevos escenarios que se están planteando y que ya operan a nuestro alrededor.”

AYYO nos puede servir para lanzar cuestiones -desde lo particular y colectivo hacia lo local y universal- relacionadas con la producción de obras de artes, sobre el mercado, el coleccionismo, el modelo de exposiciones, los recursos, energías y esfuerzos físicos y mentales, privados y públicos que empleamos para desa- rrollar nuestros proyectos. ¿Qué museo somos y queremos ser? ¿Qué modelo de artista? ¿Qué público?

AYYO
Developing. CA2M 09/24_05/25

AYYO will be a well-ordered hotchpotch in which I will condense my personal experience of the project Architecture and «I», and that of your collaborators. Inside these tables you will store the remnants, offcuts, fragments (the dust from your drawings, shavings of pencils, bits of crumbled up duct tape, bits of leftover wood from building Regreso al Hogar, the base used for Todos mis amigos me parecen guapos, the remains of cut vinyl, the proofs and the original plate for Horizon, the rolled up velcro, and so on). In short, the «garbagism», as I like to call it, of all the phases and all the processes of Arquitectura y «Yo». To which I will add the documentary material for the exhibition, the sketches for the project and the in-hall labels, which I have handwritten, and reconverted once they have been removed and bound into an artist’s book.

The result will be a compendium, a summary  of months of work stored inside and piled under the two tables initially designed as exhibition displays and ultimately transformed into artworks. For their museographic preservation, they will be covered with two pieces of impermeable white canvas sewn to measure with the acronym AYYO stamped on them. The result of this final operation will be two sculptures with wheels, like outsized scale models of windowless buildings or blocks which can be both independent and interdependent, given that they can be stored and exhibited individually or as a single piece, either covered or as containers with all the catalogued
material visible.

The materials and the exercises we do together with the museum’s conservation department will be the starting point to ask ourselves: What happens before, during and after an exhibition? What are these processes like, who are the agents, what roles and responsibilities do each one of them play and assume? How are the results of an exhibition exhibited, quantified, qualified, ordered, catalogued and disseminated? Is it a closed process? What is left of it all? Works, experiences, knowledge,. materials, waste .)).

“In a future that seems ever closer, and in some respects is already here, the patterns and habits that dominate individual and social life – and art is also a sphere and a world in which we ope- rate both privately and collectively – are simply not going to work. We have to accept that some of the fundamental elements of our present-how we act, behave and relate to the world-are simply not going to be compatible with the new scenarios that are emerging and already operating around us.”


AYYO can serve us to launch questions -from the particular and collective to the local and universal- related to the production of works of art, about the market, collecting, the exhibition model, the resources, energies and physical and mental, private and public efforts we employ to develop our projects. What museum are we and do we want to be? What model of artist? What public?